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Piranesi y su fascinación por las ruinas romanas

La exposición ‘Piranesi. La fábrica de la utopía’, hasta el 15 de octubre de 2017 en el Museo de Roma en el Palacio Braschi, reúne más de 200 obras gráficas del maestro italiano

El Mausoleo de Cecilia Metela. Mausoleo de Cecilia Metela (1762), aguafuerte de Giovanni Battista Piranesi. Foto: Museo di Roma

Fuente: ALEC FORSSMANN  |  NATIONAL GEOGRAPHIC
18 de junio de 2017

Giovanni Battista Piranesi nació en las afueras de Venecia en 1720 y a los 20 años de edad, consciente de las pocas expectativas laborales que le ofrecía esta ciudad, se trasladó a Roma en calidad de dibujante de la expedición diplomática del nuevo embajador veneciano Francesco Venier. “Cuando me di cuenta de que numerosos monumentos antiguos de Roma estaban abandonados en campos o jardines, o convertidos en canteras para nuevas construcciones, decidí preservar el recuerdo con mis grabados. E intenté hacerlo con la mayor exactitud posible”, comentó el artista italiano. Piranesi se sintió maravillado por la decadente belleza de Roma y, a lo largo de su vida, realizó innumerables grabados de edificios reales e imaginarios de grandes dimensiones y violentos efectos luminosos.

La exposición Piranesi. La fábrica de la utopía, del 16 de junio al 15 de octubre de 2017 en el Museo de Roma en el Palacio Braschi, reúne más de 200 obras gráficas del maestro italiano, entre ellas las célebres Vistas de Roma, con sus perspectivas arquitectónicas amplificadas, los fantasiosos Caprichos, influenciados por Tiepolo, las sugestivas y renombradas visiones de las Prisiones, que son unas cárceles monstruosas concebidas en el centro de la Tierra, y varias recopilaciones de antigüedades romanas. “Piranesi es, por encima de todo, un arquitecto en el sentido contemporáneo, capaz de inventar, entrever e imaginar. Las muy conocidas Carceri d’invenzione aquí expuestas representan un emocionante viaje en el espacio y en el tiempo y parecen anunciar la Revolución Industrial, sugiriendo espacios, volúmenes y dimensiones que, a pesar de la ausencia de la representación humana, permiten sentir el universo doloroso de la concentración, de la segregación, de la ausencia de luz y libertad”, expresa Pietro Folena, presidente de la asociación cultural MetaMorfosi.

Puerto de Ripa Grande. Vista del puerto de Ripa Grande y del Tíber con las embarcaciones (1753-1758), aguafuerte de Giovanni Battista Piranesi. Foto: Museo di Roma

 

Plaza del Campidoglio. Vista del Campidoglio y de Santa María de Aracoeli (1746-1748), aguafuerte de Giovanni Battista Piranesi. Foto: Museo di Roma

 

Basílica de San Sebastián. Basílica de San Sebastián (1750-1760), aguafuerte de Giovanni Battista Piranesi. Foto: Museo di Roma

 

Teatro de Marcelo. Cimientos del Teatro de Marcelo (1761), aguafuerte de Giovanni Battista Piranesi. Foto: Museo di Roma

 

Arco de Tito. Arco de Tito (1756-1760), aguafuerte de Giovanni Battista Piranesi. Foto: Museo di Roma

 

Candelabro. Candelabro de mármol blanco diseñado por Giovanni Battista Piranesi. Foto: Venezia Fondazione Giorgio Cini, prodotto da Factum Arte, 2010

 

Trípode. Trípode de bronce dorado con revestimiento de plata y una parte superior de alabastro, diseñado por Giovanni Battista Piranesi. Foto: Venezia Fondazione Giorgio Cini, prodotto da Factum Arte, 2010

 

Jarrón. Jarrón de mármol con tres grifos (criaturas mitológicas), diseñado por Giovanni Battista Piranesi. Foto: Venezia Fondazione Giorgio Cini, prodotto da Factum Arte, 2010

 

18 junio 2017 at 1:38 pm Deja un comentario

El Prado recupera e identifica uno de los escasos retratos del periodo helenístico

Se trata de una cabeza monumental de bronce que representa al general y rey helenístico Demetrio I

Cabeza monumental de bronce de Demetrio primero (307 a.C.) – Museo Nacional del Prado

Fuente: ABC
12 de junio de 2017

El Museo del Prado ha recuperado uno de los escasísimos bronces que se conservan del periodo helenístico. Se trata de una cabeza monumental, que los restauradores han identificado como el rostro del general y rey helenístico Demetrio I. Fechado hacia el 307 a.C., se trata de una pieza excepcional por su tamaño y calidad que se expone por primera vez al público tras su recuperación.

Cabeza monumental de bronce de Demetrio primero (307 a.C.) – Museo Nacional del Prado

Es uno de los pocos retratos helenísticos de este tamaño y de esta calidad que se conserva. La cabeza, de 45 centímetros, pertenecía a una estatua monumental de unos tres metros y medio de altura. La alta calidad de este bronce se aprecia particularmente en el preciosismo de la cabellera, sin duda una magistral elaboración del escultor, que dominaba la técnica de la cera perdida.

Investigaciones recientes han posibilitado la identificación del personaje representado como el general y rey helenístico Demetrio I, llamado Poliorcetes por sus clamorosos y exitosos asedios a ciudades enemigas (h. 336 – 283 a. C.). Junto con su padre, el diádoco Antígono I, Demetrio fue el primer sucesor de Alejandro Magno (356-323 a. C.)

La cabeza llegó a España en 1725, procedente de la colección de la reina Cristina de Suecia. Estuvo depositada en el Palacio de la Granja de San Ildefonso como parte de la colección de Felipe V e Isabel de Farnesio e ingresó en las colecciones del Museo del Prado hacia 1830.

 

12 junio 2017 at 2:08 pm Deja un comentario

El favorito de los Papas en Roma

Bernini dejó en el siglo XVII en las calles y los templos romanos obras maestras de exaltada tensión barroca. De Villa Borghese al Vaticano, una ruta escultórica

Fuente: DAVID TORRES  |  EL PAÍS
22 de mayo de 2017

La mujer grita, pero su voz no se oye. La mujer corre sin moverse del sitio, lleva siglos parada en su metamorfosis, cabellos cuajados de ramas, hojas tiernas brotando de los dedos, una rodilla fundida en una corteza de árbol. El hombre la alcanza justo en el momento de perderla, una pareja condenada por los siglos de los siglos a tocarse y no tocarse. Hay muchas maneras de decirlo, pero en realidad no hay ninguna manera: quizá la belleza se encuentre más allá de las palabras. Un deseo truncado, un mito trágico, un intento de violación, un bloque de mármol blanco resuelto en energía pura.

JAVIER BELLOSO

Estoy de pie en una sala de la Galería Borghese, en Roma, solo e indefenso ante el Apolo y Dafne de Bernini, rodeado de docenas de turistas y solo ante la eternidad, sin poder hacer nada. He visto antes este bloque escultórico docenas de veces, en fotografías, en documentales, en ilustraciones de libros de arte, pero realmente nunca lo había visto. Garcilaso lo anticipó en un soneto que leí por primera vez hace treinta y tantos años: A Dafne ya los brazos le crecían… Pero nada, ni Garcilaso, ni Ovidio, ni los bancos de imágenes, ni las guías de viaje, me había preparado para la experiencia de primera mano; nada puede compararse realmente a esta conmoción, a esta explosión de luz, al momento exacto en que una piedra cobra vida.

David no está detenido en el combate, sino que arquea su cuerpo un segundo antes de lanzar la piedra

Roma merece un viaje por muchos motivos, y entre esos motivos siempre estará Bernini. La presencia del gran escultor y arquitecto napolitano en calles, iglesias y museos es uno de los sellos distintivos de la Ciudad Eterna, como también lo son Bramante, Miguel Ángel o Caravaggio. Si se escoge el orden cronológico, el recorrido por la Roma de Bernini bien puede empezar por la Galería Borghese. Allí se alzan cuatro de las primeras grandes esculturas de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), cuatro obras maestras que realizó cuando solo era un joven que trabajaba a las órdenes del cardenal Scipione Borghese. El Eneas, Anquises y Ascanio parece un verso de Virgilio puesto en pie. En El rapto de Proserpina, los dedos de Plutón se hunden para siempre en la carne de mármol. Con su David, Bernini se atrevió a seguir los pasos de Miguel Ángel: el pastor ya no está detenido en el momento previo al combate, sino que estira la honda entre sus brazos mientras que arquea el cuerpo un segundo antes de lanzar la piedra. Ese es el momento en el que se instala el arte de Bernini, pleno de tensión, barroco hasta el tuétano.

El Pulcino della Minerva, en Roma. FRANZ-MARC FREI

El reloj de arena

Bernini fue el artista favorito de los Papas durante el siglo XVII, y de las muchas obras que atestiguan su talento como arquitecto destaca la iglesia de Sant’Andrea al Quirinale, una asombrosa síntesis de curvas y elipses. En el Vaticano, Bernini diseñó la plaza de forma oval con dos semicírculos ante los que se levanta la columnata rematada con una balaustrada adornada con las figuras de 140 santos. En el interior del templo, bajo la cúpula, realizó el inmenso baldaquino de bronce con sus prodigiosas columnas salomónicas. También proyectó la decoración de los cuatro pilares que sustentan la cúpula en forma de nichos que albergan cuatro enormes esculturas, una de las cuales, San Longinos, es obra suya. El Vaticano guarda también una de sus últimas obras: el sepulcro de Alejandro VII, una majestuosa alegoría donde la figura de la Muerte, agazapada bajo un cortinaje de mármol sanguinolento, muestra un reloj de arena con el tiempo que se acaba.

En la plaza Navona, Bernini aprovechó el encargo del papa Inocencio X para levantar la fuente más fastuosa e impresionante de Roma —y en ninguna otra ciudad del mundo hay tanta competencia—. Coronada por un obelisco egipcio, festoneada de animales y vegetales petrificados, la Fontana dei Quattro Fiumi es una monumental alegoría de los cuatro ríos más grandes conocidos en la época: el Nilo, el Ganges, el Danubio y el Río de la Plata. La otra gran fuente de la plaza, la Fontana del Moro, sigue un diseño de Giacomo della Porta, pero fue Bernini quien esculpió la estatua central. No muy lejos, casi junto al Panteón, se encuentra el Obelisco della Minerva, cuyo pedestal en forma de elefante también es de Bernini.

Si la temática mitológica encumbró a Bernini en sus comienzos, fueron dos encargos religiosos los que representan la cúspide de su arte en su madurez. El Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni, en la iglesia de San Francesco a Ripa, una composición horizontal de una ternura insoportable en la que los pliegues de los ropajes son caricias; el Éxtasis de Santa Teresa, en la iglesia de Santa Maria della Vittoria, una obra sublime en la que asistimos a la transverberación de la santa desde lejos, casi a escondidas. Nuevamente las fotos nos engañan con detalles sacados a través de teleobjetivos y a los que no tenemos ningún derecho. La Santa Teresa está hecha para asomarse a ella de puntillas, de igual modo que en Apolo y Dafne hay que girar en torno a la estatua para ver a la mujer floreciendo, las ramas brotando, el instante exacto de la metamorfosis. Ese instante, el de la transfiguración, es el que se atrevió a esculpir Bernini, un artista que plasmó a la mujer acosada, zarandeada, desgarrada, raptada, extasiada en luz, en amor, en árboles, en vida.

David Torres es autor de la novela Todos los buenos soldados (Planeta, 2014).

 

22 mayo 2017 at 8:04 pm Deja un comentario

La violencia de género en los grandes museos

Raptos, violaciones, humillaciones y toda clase de vejaciones hacia las mujeres están ampliamente representadas en cuadros, dibujos y esculturas

Susana y los Viejos’, de Artemisia Gentileschi. WIKIMEDIA

Fuente: CONCHA MAYORDOMO  |  EL PAÍS
9 de mayo de 2017

Visitar los grandes museos europeos, aquellos que recogen las obras que la historia del arte ha calificado como maestras, no es siempre una experiencia gratificante, independientemente de la perfección técnica, el tratamiento del color, el equilibrio en la composición, el ritmo, la luz, la atmósfera… A veces el tema, especialmente el de las escenas bíblicas o mitológicas, puede dejar sin aliento; raptos, violaciones, humillaciones y toda clase de vejaciones hacia las mujeres están ampliamente representadas en cuadros, dibujos y esculturas, y obedecen a una ideología visual en la que la situación social de la mujer queda explícitamente agraviada.

La obra de Pedro Pablo Rubens, Rapto de las hijas de Leucipo, que podemos contemplar en la Pinacoteca Antigua de Múnich, nos sitúa ante una de las escenas más violentas de todo el período barroco. En ella se desarrolla una brutal agresión. El secuestro de dos bellas jóvenes de la época, que desnudas, son atrapadas entre unos caballos encabritados por unos seres descomunales, con la evidente idea —así su título lo indica— de ser arrancadas de su entorno natural y forzadas hacia una vida desconocida. La mitología nos cuenta que ese rapto forma parte de una historia romántica, ya que incluye un pequeño cupido, pero a nadie se le escapa la desesperada resistencia de las dos mujeres y la ferocidad que desprende toda la composición.

‘El rapto de las hijas de Leucipo’, de Rubens. WIKIMEDIA

En el Museo del Prado también podemos asistir a este tipo de escenas violentas pintadas con gran maestría por Rubens, como El rapto de Hipodamía, en este caso realizado con la colaboración de su taller. Ilustra la escena del secuestro de una de las mujeres más hermosas de su generación el día de su boda por parte del centauro Éurito. Hipodamía aparece representada semidesnuda, con el pecho al aire y los ropajes desgarrados, probablemente debido a la resistencia que opuso ante la fuerza de su secuestrador y que Ovidio lo describe de la siguiente forma en Las Metamorfosis:

‘El rapto de Himodamía’, de Rubens. MUSEO NACIONAL DEL PRADO

“Porque a ti, el más bestial de los bestiales, Éurito, te ardía el corazón tanto por el vino como por la visión de la novia, y reinaba una embriaguez que duplicaba la lujuria”.

Al parecer Rubens se especializó en la escenificación de raptos: Rapto de Proserpina y la copia anónima de su obra Rapto de Deyanira, todos ellos pertenecientes a las colecciones del Museo del Prado.

La escultura tampoco fue ajena al tema, una de las obras más celebradas de esta disciplina artística es El rapto de las Sabinas de Juan de Bolonia, actualmente en la Galería de la Academia de Florencia. Algunas opiniones quieren ver en el grupo escultórico el carácter romántico de un ballet, pero una mujer extremadamente levantada mientras lucha por su libertad, agitando los brazos y gritando de desesperación para poder desprenderse de su secuestrador no convence como idea de consentimiento.

‘El rapto de Proserpina’, de Rubens. MUSEO NACIONAL DEL PRADO

El grupo escultórico fue expuesto en el exterior, concretamente en la Piazza della Signoria Loggia dei Lanzi de Florencia, donde fue agredido por unos vándalos, causándole graves daños. Pretendían colocar una botella en la mano de la secuestrada. Parece lógico pensar que el hecho de mostrar públicamente una vejación de derechos puede incitar a que esa actuación pueda ser compartida por otros que hacen alarde de los mismos principios.

“Cuando el objeto erótico es una mujer, la incitación al rapto se potencia porque también, en cierto modo, puso Dios en el mundo a la mujer para ser arrebatada, no digo que deba ser así, pero ¿qué le vamos a hacer si Dios lo ha arreglado de esa manera?”, se preguntaba Ortega y Gasset en Estudios sobre el amor (Editorial Plenitud, 1957).

Entre los grabados de la serie ‘Los Desastres de la Guerra’, el aguafuerte titulado ‘No quieren’, de Goya. WIKIMEDIA

En la producción de Francisco de Goya encontramos otras escenas que contienen violencia explícita contra las mujeres. Entre los grabados de la serie Los Desastres de la Guerra, el aguafuerte titulado No quieren representa a una mujer aparentemente joven que se defiende del acoso de un soldado francés mientras una anciana, cuchillo en mano, trata de protegerla. Con esta obra Goya parece ser sensible a la dignidad femenina, sorprendentemente en la serie Los Caprichos, junto a la estampa Que se la llevaron, incluye un comentario manuscrito en el que culpabiliza a la mujer de la agresión: “La mujer que no sabe guardar es del primero que la pilla y cuando no tiene remedio se admiran de que se la llevaron”.

Susana y los Viejos

La Historia de Susana y los Viejos es un breve texto independiente asociado al Libro de Daniel del Antiguo Testamento que ha sido ilustrado ampliamente: Rembrandt, Rubens, Artemisia Gentileschi, Lorenzo Lotto, Albrecht Altdorfer, Anthonis van Dyck, Tintoretto, Veronese, Guercino, Domenichino, Francesco Hayez, Franz von Stuck, Lovis Corinth, Bartolomeo Altomonte, Lukas Vorstermann o Johann Spillenberger plasmaron en sus lienzos el esplendor de la belleza desnuda de la joven.

Arquián y Sedequía eran dos ancianos jueces que acudían asiduamente a casa del rico Joaquín, esposo de Susana, para dirimir algunos pleitos. Un día de mucho calor Susana quiso bañarse en una de las fuentes de la casa sin percatarse de que los ancianos, que desde hacía tiempo la deseaban con pasión, se habían escondido para observarla. Trataron después de forzar su voluntad para ser sometida sexualmente, al resistirse ella, la calumniaron acusándola de adulterio. El juez Daniel demostró su inocencia y la sentencia a muerte que pendía sobre Susana acabó recayendo sobre los ancianos.

‘Susana y los Viejos’, de Tintoretto. GOOGLE ART PROJECT

En Susana y los Viejos de Tintoretto, que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, el pintor se esmeran en presentar a una mujer en su espacio íntimo, cosificada y expuesta para su contemplación, no sólo para los rijosos que aparecen en la escena, también para todo aquel que contemple el cuadro. Susana es una mujer voluptuosa que se acicala en su baño mientras se contempla en un espejo sólo cubierta por una completa colección de joyas. Parece demostrar con ello, la magnífica fortuna del marido, y que fueron sus encantos los que le logró conquistar. Mantiene además, para mayor incitación, las piernas semiabiertas.

Por su parte Rubens, en la obra del mismo título, expuesta en Museo de la Real Academia de San Fernando de Madrid, pone especial énfasis en mostrar la carnalidad del cuerpo de la joven que es destapado por los viejos, uno de ellos con actitud decididamente amenazante.

‘El rapto de las Sabinas’, de Juan de Bolonia. RICARDO ANDRÉ / WIKIMEDIA

Muy al contrario, la versión que sobre el episodio realiza la italiana Artemisia Gentileschi, que se conserva en el Castillo de Weissenstein de Pommersfelden (Alemania) presenta a la joven Susana avergonzada, huidiza y asqueada del acoso de las dos figuras grotescas que traman sus estrategias.

En la mitología el rapto era un acto razonablemente legitimado, cuyas víctimas propiciatorias solían ser jóvenes vírgenes, o bien mujeres honestas que los pintores de todas las épocas —incluido Pablo Picasso— han representado de manera misógina para uso y disfrute no sólo de los cuerpos esteriotipados por los gustos de la época, sino también como demostración de la fuerza y la razón del género masculino frente al definido como débil. Estos hechos seguramente continuarían con una violación. Raptos, vulneración de la intimidad o calumnias pueden ser vistas en otras muchas obras maestras que componen la historia del arte con mayúsculas estetizando la violencia de género, por ello es importante que la belleza que encierran no desvíen la atención de que somos testigos también de la representación de delitos infames.

 

9 mayo 2017 at 6:57 pm Deja un comentario

La Casa de los Grifos de Alcalá de Henares abre al público este jueves tras su restauración

El Ayuntamiento de Alcalá de Henares ha anunciado la finalización del trabajo de restauración de la Casa de los Grifos de ciudad romana de Complutum. Este espacio abrirá sus puertas al público este jueves y las visitas al mismo serán guiadas.

Casa de los Grifos de la ciudad romana de Complutum, en Alcalá de Henares. (Foto: Ayuntamiento de Alcalá de Henares)

Fuente: EP | Madridiario
3 de mayo de 2017

La Casa de los Grifos de Alcalá de Henares estará abierta al público a partir de este jueves 4 de mayo tras finalizar los trabajos de restauración arqueológica. Según ha informado el Ayuntamiento del municipio en un comunicado, la actuación arqueológica denominada ‘Recuperación y valorización del Sector Norte de la Casa de los Grifos’ ha finalizado recientemente.

“Un importantísimo paso en la tarea de recuperación de esta extraordinaria casa romana, que Ayuntamiento y Comunidad han venido fomentando por varias vías”, ha indicado la concejal de Patrimonio de Alcalá de Henares, Olga García. Asimismo, García ha explicado que a partir de este jueves la Casa de los Grifos se sumará a los espacios arqueológicos ya visitables en la ciudad romana de Complutum.

Las visitas serán guiadas, por lo tanto, será necesaria la reserva previa en el teléfono 91 877 17 50 de lunes a viernes de 8 a 15 horas o al correo electrónico ‘redpatrimonio@ayto-alcaladehenares.es’ los sábados de 11.30 a 12 horas, durante los próximos meses de mayo, junio, septiembre, octubre y noviembre.

Los grupos estarán compuestos por un máximo de 15 personas y el precio de la visita será de un euro y gratuita para menores de 10 años y mayores de 65 y jubilados.

 

4 mayo 2017 at 5:44 pm Deja un comentario

El Prado ofrece recorridos en latín por la obra mitológica de Rubens

Tendrán lugar, de forma gratuita, los viernes 5, 19 y 26 de este mes a las 16.30 horas

«El juicio de Paris», de Rubens – MUSEO DEL PRADO

Fuente: ABC
3 de mayo de 2017

Durante este mes de mayo, el Museo del Prado ofrece recorridos didácticos impartidos en latín para conocer las principales obras mitológicas de Rubens, entre las que figuran «El juicio de Paris», «Las tres Gracias», «El banquete de Tereo» y «Aquiles descubierto por Ulises y Diómedes». Esta iniciativa propone aunar la cultura artística y la lengua fundacional de la cultura europea, que sirvió de vehículo de comunicación durante siglos. Las visitas serán conducidas por latinistas que comentarán cuadros de temática grecorromana.

Estos recorridos, que se celebrarán los viernes 5, 19 y 26 de mayo a las 16.30 horas, son de carácter gratuito para los visitantes del museo que se inscriban en el punto de encuentro de Educación 15 minutos antes del comienzo de la actividad, que está dirigida a un grupo máximo de 20 personas.

El primer viernes las explicaciones serán impartidas por Jorge Tárrega Garrido, presidente del Collegium Latinitatis, y Esteban Bérchez Castaño, vicepresidente del Collegium Latinitatis, asociación cultural que tiene el objetivo de promover y divulgar el uso del latín como lengua vehicular de la enorme herencia legada por la Antigüedad.

La segunda sesión estará a cargo Pablo Ortiz Sierra y Carles García Olmos, miembros del Collegium Latinitatis, al igual que Luisa Blecua del Álamo y David García Pérez, quienes guiarán el último de los itinerarios programados.

 

3 mayo 2017 at 6:37 pm Deja un comentario

‘El juicio de Paris’ regresa a casa

Cultura confirma que el más importante de los 13 mosaicos hallados en la villa romana del Alcaparral hace 32 años se expondrá de forma permanente en el museo de Casariche

El mosaico, que está expuesto en el Museo Arqueológico de Sevilla. / D. S.

Fuente: TRINIDAD PERDIGUERO  |  Diario de Sevilla
5 de abril de 2017

La Consejería de Cultura confirmó ayer que el mosaico del Juicio de Paris, elmás importante de los 13 que fueron hallados en una finca agrícola de Casariche en 1985 y considerado uno de los más interesantes de la época tardo-romana en la Península Ibérica, regresará este año al municipio para quedarse. En concreto, dejará su actual ubicación en el Museo Arqueológico de Sevilla para instalarse en la sala principal del edificio que alberga la colección museográfica del mosaico romano de Casariche José Herrera Rodas, que se impulsó a raíz del hallazgo.

El Ayuntamiento había previsto su presencia en este lugar desde que arrancó el proyecto y por ello ha estado luchando estos años. De hecho, ahora hay una reproducción del mismo en el lugar, pero en tela. En salas contiguas ya se exponen otros cinco mosaicos originales de la misma Villa Romana del Alcaparral (siglo III d. C.). En la extracción y restauración del mosaico -que tiene unas dimensiones de 3,60 por 3,20 metros- se han invertido en los últimos años más de 300.000 euros.

La importante pieza está expuesta en la actualidad en el Museo Arqueológico de Sevilla.  El Consistorio lleva años apostando por el mundo romano y el mosaico como reclamo

La fecha exacta del traslado no se ha concretado. Según las fuentes de la Junta, es “inminente”. El alcalde, Basilio Carrión, confía que pueda ejecutarse antes de que acabe el próximo verano. Según la Consejería de Cultura, el traslado era un compromiso que la propia presidenta de la Junta, Susana Díaz, adquirió en 2014, cuando acudió al museo de Casariche, y una reclamación del Ayuntamiento. También la ha defendido un importante grupo de investigadores, partidarios de poner la obra en su contexto, y se ha mostrado favorable la propia directora del Museo Arqueológico, Ana Navarro.

No obstante, ese traslado no se hace de cualquier modo. A raíz del hallazgo en 1985 y una vez que se supo de la importancia del mosaico -por calidad artística, policromía y grado de conservación-, Casariche se volcó para que volviera al municipio, con un proyecto integral de largo recorrido. Con distintas ayudas europeas y de otras administraciones, construyó un edificio, que habilitó como museo y que se inscribió además como colección museográfica. Con distintas escuelas taller, se fomentó la creación de un centro especial de empleo -que se ha mantenido con mucho esfuerzo durante estos años de crisis- en el que se realizan mosaicos por encargo. Está en los bajos del mismo edificio. Además, hay una completa programación de actividades y visitas escolares al espacio. Más recientemente, el Ayuntamiento de Casariche ha puesto en marcha hasta una feria romana, que se celebra en las antiguas canteras de la época en la zona.

El regreso del Juicio de Paris podría suponer así un impulso definitivo para el turismo de interior por el que ha apostado el municipio, basado en su pasado romano y en la arqueología. De hecho, el traslado va a coincidir prácticamente con la apertura de unos apartamentos turísticos en Casariche, el primer alojamiento hotelero en la localidad que no llega a los 6.000 habitantes y que también forma parte de la llamada Ruta del Tempranillo.

Carrión destacó ayer que el proceso ha sido largo, ha requerido de inversión y de muchos trámites burocráticos, aunque subrayó el buen entendimiento con los distintos responsables de la Consejería de Cultura con los que han ido tratando en todos estos años.

Una villa romana del siglo III

Según los investigadores, este importante mosaico formaba parte de la estancia principal de la Villa Romana del Alcaparral (siglo III d. C.) ubicada a unos tres kilómetros del actual casco urbano de Casariche, a la derecha de la carretera hacia Badolatosa. Se trata de una finca privada y la villa afloró durante unas tareas agrícolas. Este mosaico constituía el piso de una estancia principal. Con unas medidas totales de 3,60 por 3,20 metros, el cuadro principal (de 1,60 por 1,60 metros) recrea una escena de la mitología: el Juicio de Paris, en el que se obligó a dictaminar al pastor qué diosa era la más bella -Venus, Juno o Minerva- y que provocó la caída de Troya. Fue extraído del yacimiento en el año 2000 y es propiedad de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

 

5 abril 2017 at 12:47 pm Deja un comentario

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