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El Mosaico romano de Lod, del siglo III, deslumbra en Miami

Coloridas alfombras, plantas y animales depredadores y sus presas configuran el bellísimo y depurado mosaico romano de Lod (Israel), del siglo III, que se exhibe a partir de hoy en el Museo de Arte Patricia & Phillip Frost, de la Universidad Internacional de Florida (FIU), en Miami.

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Mosaico de Lod. Foto: Patricia & Phillip Frost Art Museum

Fuente: Emilio J. López – EFE  |  LA VANGUARDIA

Miami, 10 feb.- Se trata, sin duda, de uno de los más bellos y grandes mosaicos jamás descubiertos -tiene 180 metros cuadrados-, una imponente pieza arqueológica que permanecerá expuesta en Miami hasta el 15 de mayo, gracias al acuerdo alcanzado entre la FIU y la Autoridad de Antigüedades de Israel (AAI).

Destaca, en primer lugar, el increíble estado de conservación de esta obra maestra de 1.700 años de antigüedad denominada por algunos críticos la “estrella del rock romano” por el uso de piedras calizas y rocas para su primorosa elaboración.

El mosaico fue descubierto en 1966 en una obra de ensanchamiento de una autopista en Lod, al sureste del actual Tel Aviv, una población que en el siglo III después de Cristo formaba parte del Imperio Romano.

“Es una obra única en el mundo, tanto por sus grandes dimensiones como por lo complicado de su traceado y el buen estado en que se conserva”, dijo hoy a Efe la directora del Patricia & Philipp Frost Art Museum del FIU, Jordana Pomeroy.

Además, la exposición en Miami incluye una serie de piezas que nunca antes han salido de Israel.

Para la experta e historiadora del arte, se trata de un “mosaico extraordinario, una obra artística incomparablemente preservada, la más famosa del mundo”.

Los paneles agregados a la muestra representan una crátera de oro usada para beber vino y numerosas aves, como pavos reales, a los lados de un enorme medallón en el cuadro central.

Se cree que los mosaicos estaban instalado en el piso del comedor o “triclinium” de una lujosa villa propiedad de un opulento mercader romano que comerciaba con Jerusalén y ciudades del Mediterráneo.

El título de esta exposición itinerante, “Depredadores y sus presas”, expresa a la maravillosa variedad de animales exóticos representados en el mosaico.

Se estima que el brillante maestro artesano y su equipo de obreros emplearon dos millones de teselas para la composición del exquisito mosaico, embellecido con criaturas salvajes como leones y tigres, un elefante, una jirafa, un búfalo asiático, además de monstruos marinos y barcos.

Gravita sobre el mosaico un extraño interrogante, un misterio que esconde la pieza y que contribuye, sin duda, a su atractivo: ¿Por qué no aparecen en la composición dioses ni hombres?

Una de las teorías que intenta dar respuesta a este enigma es la que apunta a que el rico comerciante era, quizá, un vendedor de animales exóticos para la lucha de gladiadores con fieras en los estadios o anfiteatros del imperio romano.

Para Pomeroy, la observación de los mosaicos permite columbrar cómo era la vida cotidiana en aquellos tiempos, al menos en lo que atañe a la vida de un “rico comerciante dedicado con toda probabilidad a la importación y exportación de animales exóticos”.

“Depredadores y sus presas” ha cosechado un gran éxito de público en sus anteriores exhibiciones en los principales museos del mundo, entre otros el Louvre, el Metropolitan de Nueva York o el Hermitage de San Petersburgo.

El pueblo israelí de Lod descansa sobre la antigua ciudad de Lydda, enclavada en una ruta importante de comercio, la conocida entonces como Vía Maris, que conducía entonces de Egipto a Siria y Mesopotamia.

Coloridas alfombras, plantas y animales depredadores y sus presas configuran el bellísimo y depurado mosaico romano de Lod (Israel), del siglo III, que se exhibe a partir de hoy en el Museo de Arte Patricia & Phillip Frost, de la Universidad Internacional de Florida (FIU), en Miami.

Se trata, sin duda, de uno de los más bellos y grandes mosaicos jamás descubiertos -tiene 180 metros cuadrados-, una imponente pieza arqueológica que permanecerá expuesta en Miami hasta el 15 de mayo, gracias al acuerdo alcanzado entre la FIU y la Autoridad de Antigüedades de Israel (AAI).

Destaca, en primer lugar, el increíble estado de conservación de esta obra maestra de 1.700 años de antigüedad denominada por algunos críticos la “estrella del rock romano” por el uso de piedras calizas y rocas para su primorosa elaboración.

El mosaico fue descubierto en 1966 en una obra de ensanchamiento de una autopista en Lod, al sureste del actual Tel Aviv, una población que en el siglo III después de Cristo formaba parte del Imperio Romano.

“Es una obra única en el mundo, tanto por sus grandes dimensiones como por lo complicado de su traceado y el buen estado en que se conserva”, dijo hoy a Efe la directora del Patricia & Philipp Frost Art Museum del FIU, Jordana Pomeroy.

Además, la exposición en Miami incluye una serie de piezas que nunca antes han salido de Israel.

Para la experta e historiadora del arte, se trata de un “mosaico extraordinario, una obra artística incomparablemente preservada, la más famosa del mundo”.

Los paneles agregados a la muestra representan una crátera de oro usada para beber vino y numerosas aves, como pavos reales, a los lados de un enorme medallón en el cuadro central.

Se cree que los mosaicos estaban instalado en el piso del comedor o “triclinium” de una lujosa villa propiedad de un opulento mercader romano que comerciaba con Jerusalén y ciudades del Mediterráneo.

El título de esta exposición itinerante, “Depredadores y sus presas”, expresa a la maravillosa variedad de animales exóticos representados en el mosaico.

Se estima que el brillante maestro artesano y su equipo de obreros emplearon dos millones de teselas para la composición del exquisito mosaico, embellecido con criaturas salvajes como leones y tigres, un elefante, una jirafa, un búfalo asiático, además de monstruos marinos y barcos.

Gravita sobre el mosaico un extraño interrogante, un misterio que esconde la pieza y que contribuye, sin duda, a su atractivo: ¿Por qué no aparecen en la composición dioses ni hombres?

Una de las teorías que intenta dar respuesta a este enigma es la que apunta a que el rico comerciante era, quizá, un vendedor de animales exóticos para la lucha de gladiadores con fieras en los estadios o anfiteatros del imperio romano.

Para Pomeroy, la observación de los mosaicos permite columbrar cómo era la vida cotidiana en aquellos tiempos, al menos en lo que atañe a la vida de un “rico comerciante dedicado con toda probabilidad a la importación y exportación de animales exóticos”.

“Depredadores y sus presas” ha cosechado un gran éxito de público en sus anteriores exhibiciones en los principales museos del mundo, entre otros el Louvre, el Metropolitan de Nueva York o el Hermitage de San Petersburgo.

El pueblo israelí de Lod descansa sobre la antigua ciudad de Lydda, enclavada en una ruta importante de comercio, la conocida entonces como Vía Maris, que conducía entonces de Egipto a Siria y Mesopotamia.

10 febrero 2016 at 8:25 pm 1 comentario

Los Escipiones, una saga que cambió el rumbo de España

El Museo Arqueológico Regional presenta la primera muestra en España dedicada exclusivamente a los Escipiones

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Retrato masculino, posible representación de Escipión el Africano, del 50-25 a.C. o de época augustea, procedente de los fondos del Museo Nacional Romano-Termas de Diocleciano. Foto: Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo / Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Roma / MAR

Fuente: NATIONAL GEOGRAPHIC

El Museo Arqueológico Regional, con sede en Alcalá de Henares, inauguró ayer la exposición Los Escipiones. Roma conquista Hispania, la primera muestra en España dedicada exclusivamente a los Escipiones, una familia de políticos y militares romanos que conquistó Hispania, influenciada entonces por los cartagineses, y que cambió el rumbo del país para siempre.

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La exposición reúne más de 200 piezas. Foto: MAR

La exposición, que se puede visitar hasta el 4 de septiembre de 2016, reúne más de 200 piezas, entre las que destaca una cabeza espectacular de Escipión el Africano, el único general romano que consiguió vencer al cartaginés Aníbal. Las obras expuestas, como este retrato procedente de Roma, han sido cedidas por diferentes instituciones públicas y privadas, tanto españolas como de otros países. También se pueden contemplar las siguientes piezas: un relieve con amontonamiento de armas, procedente de la colección privada de los duques de Cardona; el relieve de los guerreros de Estepa, del Museo Arqueológico de Sevilla; un torso de guerrero con peto en forma de lobo, de La Alcudia de Elche; el caballero de los Villares, del Museo de Albacete; y la jarra del domador de caballos, del Museo Numantino de Soria, entre otras.

caballero_de_los_villares_NGCaballero de los Villares (c. 490 a.C.), del Museo de Albacete. Foto: Museo de Albacete / MAR

Seis espacios diferenciados

La muestra se divide en seis espacios diferenciados por su contenido y comienza con un acercamiento a la personalidad pública de los Escipiones, una familia imperialista y renovadora que se opuso a los Catones y a los conservadores. A continuación se explica el funcionamiento del ejército romano y su eficacia en la romanización de los territorios ocupados. La tercera sala narra un momento clave: el desembarco de las tropas romanas en Ampurias en el año 218 a.C. con el fin de cortar la línea de aprovisionamiento de Aníbal, que estaba asolando Italia. La conquista y ocupación de Hispania comenzó con la llegada de los dos primeros Escipiones: Cneo y su hermano Publio Cornelio, tío y padre de Escipión el Africano. Ampurias se convirtió en la base de operaciones y Tarraco fue fundamental durante la romanización de la península.

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Ilustración que representa la llegada de Cneo Cornelio Escipión a Ampurias. Ilustración: Albert Álvarez Marsal / Fuente: Manuel Bendala / MAR

Las salas cuarta y quinta tratan respectivamente sobre Escipión el Africano, quien tomó Cart Hadasht y fundó Itálica, y Escipión Emiliano, nieto de este último, quien destruyó Cartago por completo y tomó Numancia. La última parte del recorrido indaga en el complejo perfil ideológico y político de los Escipiones y evoca al emperador Augusto como la culminación de esta saga que cambió para siempre la historia de España.

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Ilustración que representa el cerco de Numancia. Ilustración: Albert Álvarez Marsal / Fuente: Manuel Bendala / MAR

10 febrero 2016 at 7:56 pm Deja un comentario

Los Escipiones llegan al Museo Arqueológico Regional

Cristina Cifuentes ha inaugurado hoy ‘Los Escipiones. Roma conquista Hispania’, la primera exposición exclusivamente dedicada a esta familia de militares romanos realizada en España

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‘Jarra de domador de caballos’, del siglo II a.C. | EL MUNDO

Fuente: ANA CARO > Madrid  |  EL MUNDO    09/02/2016

Hoy se inaugura Los Escipiones. Roma conquista Hispania en el Museo Arqueológico Regional ubicado en Alcalá de Henares. A partir de mañana 10 de febrero y hasta el próximo mes de septiembre, estará abierta al público de manera gratuita la primera exposición en España exclusivamente dedicada a la mítica saga de militares romanos.

La muestra, que ha sido inaugurada por la presidenta de la Comunidad de Madrid, Cristina Cifuentes junto con el catedrático de Arqueología Manuel Bendal, reúne más de 200 piezas para relatar la andadura bélica que realizaron Los Escipiones hasta que lograron la conquista de Hispania. Entre los centenares de obras recogidas, el busto del Escipión Africano, cedido por instituciones italianas es el protagonista.

A lo largo de seis salas diferenciadas, los asistentes se podrán sumergir en “una de las páginas más importantes y atractivas de nuestra historia”, según ha declarado el catedrático Manuel Bendala. De esta manera, se podrá viajar desde la llegada a Ampurias de Cneo y Publio Cornelio, los dos primeros escipiones, hasta la toma de Numancia, que cambió para siempre la historia de España.

Las piezas han sido cedidas por multitud de instituciones públicas y privadas, tanto españolas como extranjeras. El Caballero de los Villares del Museo de Albacete o el Vaso de la doma del caballo procedente del Museo Numantino de Soria son algunas de las más relevantes en el ámbito nacional. De entre las extranjeras destacan las prestadas por Roma y los Museos Nacionales Italianos.

Además de animar a todos los madrileños a visitar esta exposición, Cristina Cifuentes ha recordado que acaba de finalizar la remodelación de un almacén de vestigios arqueológicos en una nave cedida por al Ayuntamiento de Alcalá de Henares y que este año comenzarán las obras para ampliar el Museo Arqueológico Regional.

9 febrero 2016 at 10:08 pm Deja un comentario

Los modelos de belleza en la antigüedad

El culto al cuerpo no es algo actual, como lo demuestra una exposición en el Arkeologi Museoa de Bilbao. Desde la antigüedad, hombres y mujeres han usado tintes, sofisticados peinados o perfumes para mejorar su aspecto

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Aida Alegría e Iñaki García Camino observan ‘La Dama Flavia’, un busto del siglo I, que luce un peinado puesto de moda por Flavia Julia, hija del emperador Tito. (Borja Guerrero)

Fuente: MAITE REDONDO  |  Deia     05/02/2016

En la prehistoria, ya existía un canon de belleza, aunque los hombres y mujeres prehistóricos estuvieran más preocupados por la supervivencia. También los antiguos egipcios, concedían una gran importancia a su aspecto físico. Productos como el aceite o el bicarbonato eran habituales en las casas egipcias. El maquillaje jugaba a su vez un importante rol, especialmente el de los ojos. El kohl era empleado no solo para marcarlos sino como elemento mágico y protector.

Para los griegos, la estética y la ética estaban muy relacionadas. Aquello que causaba el bien era bello. La belleza estaba simbolizada por una figura seductora: la diosa Afrodita, en cuyo cortejo se encuentran las Tres Gracias – Belleza, Castidad y Voluptuosidad o Entusiasmo– . En cambio, para los romanos, la belleza dejó de ser una cualidad ideal, casi sobrenatural. Bajó del cielo y se materializó, perdió su poder deslumbrante y revelador para convertirse en una cualidad capaz de intervenir en la vida diaria.

En Grecia y Roma el uso de cosméticos y aceites perfumados, de tintes o mascarillas y hasta de postizos y pelucas era habitual. El Museo Arqueológico de la Diputación Foral de Bizkaia desvela los secretos de belleza de griegos y romanos en la muestra Historias de tocador: cosmética y belleza en la antigüedad, una invitación a viajar, a descubrir las técnicas de las que se servían para alcanzar la belleza física del cuerpo humano que trascendía a lo más espiritual.

La exposición arrancó en el Museu d’Arqueologia de Catalunya, comisariada por Teresa Carreras, arqueóloga especialista en el estudio del vidrio antiguo. Posteriormente, se presentó en el Museo Romano de Oiasso (Irun) y ahora se exhibe en Bilbao, para mostrar por primera vez en nuestro territorio más de 170 piezas excepcionales, de gran belleza, procedentes de antiguas civilizaciones, que nos dejaron un legado cultural que en modo alguno podemos olvidar. “Es una ocasión única para ver además algunas piezas que difícilmente salen del Museo de Catalunya”, explica el director del Arkeologi Museoa, Iñaki García Camino.

Recorrido

Historias de tocador se articula en torno a cuatro ejes: el cuidado del cuerpo, perfumes y ungüentos, peinados y los últimos retoques de tocador (joyas y maquillaje). “Las civilizaciones antiguas y las modernas tenemos grandes similitudes en este aspecto: nos preocupa el cuidado del cuerpo. Las mujeres y los hombres de hoy en día comparten con los de la Antigüedad mucho más de lo que parece”, explica Aida Alegría, del departamento de pedagogía del Museo.

Gracias a la muestra, los visitantes descubrirán cómo la depilación ya era una asunto también de hombres en Roma, cómo hombres y mujeres de esta época se lavaban los dientes, las uñas, la cara, los ojos… con artilugios muy minuciosos que apenas han cambiado. Sorprende también una imponente Dama Flavia (un busto datado en el último cuarto del siglo I), que parece sacada de cualquier revista actual dada la modernidad de su peinado.

En la Grecia y Roma clásicas no conocían el jabón sólido. Para lavarse utilizaban una esponja empapada en sustancias abrasivas como la raíz de la saponaria, la sosa, o la ceniza de haya o directamente la piedra pómez. Después se aplicaban aceites para evitar la resecación y las grietas de la piel. En el museo se pueden ver algunos de los recipientes que utilizaban para fabricar aceites, que también usaban los gladiadores romanos.

La higiene era algo cotidiano en la vida social de Roma. En las termas se cultivaba el cuerpo pero también la mente y las relaciones sociales. En ellas, los romanos no sólo se bañaban; también practicaban deportes, jugaban y se reunían con los amigos. Era un lugar de encuentro y ocio.

En la muestra se exhiben también varias pinzas de depilar, espátulas, palillos y cucharillas para limpiar los oídos y las uñas, que recuerdan a los kits de manicura actuales. En otra de las vitrinas, se encuentran varios tipos de cazos y jarras de bronce que se utilizaron en los baños hace 2.000 años.

Los visitantes se encontrarán en la sección de Ungüentarios y perfumes distintos envases que contuvieron aceites perfumados y ungüentos muy apreciados en la antigüedad, ya que no sólo eran utilizados en la higiene y arreglo personal, sino también en medicina, ceremonias rituales y funerarias o prácticas deportivas. Se pueden ver además dos quemadores de bronce. La combustión de resinas, raíces y maderas olorosas era la manera más primitiva de obtener buen olor, en este caso, humo perfumado.

Con los perfumes también se desarrolló la industria de frascos, principalmente de alabastro, que podían ser considerados como joyas. “Perfumarse estaba al alcance de todas las clases, pero la diferencia se encontraba en el tipo del recipiente que se utilizaba para guardarlos”, explica Aida Alegría.

A través de diversas esculturas de mármol datadas entre el siglo III a.C. y el I d.C., se puede apreciar también cómo los romanos iban siempre bien peinados, ya que se consideraba un signo de civilitas. Los griegos y las griegas tenían como modelos a los dioses y las diosas para elaborar sus peinados, por lo que usaban muchas ondas. En cambio, los romanos y romanas se fijaban en las personas poderosas, en las emperatrices y emperadores. Las mujeres de clase acomodada siempre llevaban el cabello bien recogido, y aumentaban su volumen con postizos y gruesas trenzas. Y, como ellas, también los hombres mostraban su estatus social con el cabello y la barba cuidada por expertos y siguiendo la moda. Cuando conquistaron Germania, se puso muy de moda el pelo rubio, se aclaraban el pelo y elaboraban pelucas con el cabello de las esclavas.

En unas monedas que se encuentran en una vitrina, pertenecientes a los fondos del museo bilbaino, se puede apreciar también cómo en el Bajo imperio de Roma los hombres se dejaban barba.

En Grecia y Roma era costumbre pintarse con maquillaje muy vivo y contrastando los colores. En Roma se apreciaba tener la piel cuanto más blanca mejor. El albayalde o blanco de plomo servía de base de maquillaje y permitía blanquear los rostros y uniformar la piel. Los utensilios y productos que se usaban en el tocador se guardaban en recipientes de hueso, metal, cerámica, vidrio o madera y formas diferentes, como los que se puede ver en la exposición, fabricados hace 2.500 años.

La orfebrería tuvo también mucha importancia en las civilizaciones griega y romana. Brazaletes y anillos eran usados por hombres y mujeres y reflejaban la condición económica y social. En la muestra, se pueden ver una diadema de oro, unos pendientes y varios anillos de oro.

Historias de tocador. Cosmética y belleza en la antigüedad se puede ver en el Arkeologi Museoa hasta el próximo 3 de abril.

5 febrero 2016 at 11:19 am 1 comentario

Medusa ‘millenial’ o la cara B del mito

Artistas contemporáneos subvierten el mito de la Gorgona: diosa sexual, icono feminista, personaje pop, alusión al ‘reggae’ o símbolo ‘freudiano’ de castración. Son las nuevas Medusas.

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La Medusa pop de Antonio Calderón ‘Willy’.

Fuente: VANESSA GRAELL > L’Hospitalet de Llobregat  |  EL MUNDO   03/02/2016

Cuenta Hesíodo en la Teogonía que la bella Medusa, hija de Ceto y Forcis, se enamoró de Poseidón y se unió a él en el templo de Atenea. Pero según narra Ovidio en Las Metamorfosis, Medusa fue violada por el implacable dios del mar. Sea como fuere, Atenea, encolerizada por la profanación sexual de su templo, castigó a Medusa: transformó su hermosa cabellera en un nido de serpientes y maldijo sus bellísimos ojos para que nadie pudiera volver a mirarlos o acabaría convertido en piedra. Ycomo los dioses griegos gustaban de jugar con las vidas de los mortales, Atenea y Hermes guiaron a Perseo, el héroe de turno, para que decapitara a la ¿cruel? Gorgona. Ésa es la versión popular de un mito de orígenes prehelénicos. Porque antes de la Grecia clásica Medusa aparecía como reina de Libia, una encarnación de la sexualidad y de la madre Tierra. Hubo que esperar muchos siglos para que el mito androcéntrico (y profundamente machista) de la Medusa griega, de la mujer monstruosa castigada por su feminidad, de la hetaira desdeñada, fuera releído. Hasta los años 70, las filósofas feministas (María Zambrano, Julia Kristeva, Marcia Starck, Hélène Cixous, etc.) no ofrecieron otra lectura: Medusa como la representación de otro orden en clave femenino; Medusa como mujer rebelde, que no se somete al poder del hombre; una diosa primaria capaz de dar muerte y vida. En la misma época, Gianni Versace quiso invocar a esa diosa, a la mujer poderosa, y escogió a Medusa como símbolo de su marca, un icono de elegancia y clase.

En el arte, Medusa siempre ha sido uno de los iconos más representados y ya desde la Grecia antigua se la asociaba a los ritos funerarios. Benvenuto Cellini o Auguste Rodin la esculpieron. Caravaggio, Rubens o Picasso la pintaron. Y, ahora, 15 artistas contemporáneos se enfrentan al mito desde el presente con la exposición Ceci n’est pas une Medusa (título que juega con el célebre Ceci n’est pas une pipe de Magritte). Y lo hacen desde L’Hospitalet. Porque Medusa es uno de los símbolos oficiales de la ciudad desde los 90. Hace décadas, en los campos de Santa Eulàlia de Provençals aparecieron restos de asentamientos romanos del siglo II a.C., entre ellos, una cabeza de Medusa que se conserva en el Museu d’Arqueologia de Catalunya, aunque el Museu d’Història de L’Hospitalet guarda una réplica. De hecho, la cabeza de Medusa es el logotipo del museo y da la bienvenida a los visitantes.

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Marie Françoise Prost-Manillier frente a su instalación ‘Gorg(oh)’. ANTONIO MORENO

Mano a mano con el centro de arte TPK, el Museu de L’Hospitalet abre sus colecciones históricas para que creadores de hoy reinterpreten piezas del pasado. Si primero fue el Retaule de Sant Roc, atribuido a Jaume Huguet, la Medusa romana abre un nuevo cosmos para creadores de diferentes latitudes, de Francia a Lituania, con L’Hospitalet como punto neurálgico que conecta la red creativa de los centros 4 Barbier de Nîmes, Transfo de Lyon y Meno Parkas de Lituania. «La idea del mito plantea varias reflexiones. ¿Qué fue el mito y qué queda de él?¿Cómo evoluciona? ¿Qué es hoy? Como decía Kounelis: ‘Hemos matado a Dios, hemos destronado al rey, pero quizás echamos en falta aquella estatuilla negra que antes adorábamos’», dice Agustín Fructuoso, director del TPK y uno de los artistas que ha tuneado no sólo el mito, sino la obra magna de Géricaux La balsa de la Medusa, que traduce en lenguaje minimalista a un lienzo negro y una mesa flotante.

En Ceci n’est pas une Medusa hay pop, denuncia, feminismo, psicoanálisis, metáforas, abstracción, poesía, instalaciones, erótica, humor… Una copia de la Medusa romana abre la exposición, que es un laberinto de estilos, técnicas y conceptos: desde Bob Marley hasta Freud. En The Legend, la lituana Elena Balisukaite fusiona la leyenda griega con el rey del reggae, haciendo un paralelismo estético con las rastas de Marley y el pelo serpentino de la Gorgona. Un pelo que la francesa Marie Françoise Prost-Manillier transforma en tubos que escapan cual serpientes (literalmente) de un cuadro gris oscuro casi negro, metalizado, en el que sólo se ve un ojo, un autorretrato de la propia artista. Xaro Castillo también recurre a su propia imagen: se venda los ojos y abre los brazos en un gesto de entrega y crucifixión. Una pose que subraya con una tela metálica. Otra sugerente interpretación en clave femenina y que reivindica la sexualidad de Medusa es Secrets, de Laisvydè Slciutè, una serie de fotografías bañadas en una pátina dorada que muestran a sensuales mujeres.

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Agustín Fructuoso reinterpreta en clave minimalista ‘La balsa de la Medusa’. ANTONIO MORENO

Éclypse, una obra narrativa y fragmentaria, ocupa toda una pared para releer el mito de la Medusa a través de iconos de la Historia del Arte, desde la Venus de Botticelli como ideal de belleza femenina al cruento retrato de la cabeza de Gorgona amputada que hizo Rembrant. Unos iconos salpicados de dibujos de laberintos, templos griegos a la luz de la luna, las sandalias aladas del dios Hermes (cuya intervención fue crucial para decapitar a Medusa) o un amasijo de serpientes. «Es como una pared cubista. Cada uno tiene que buscar sus propias relaciones», señala la autora, Elisabeth Krotoff. Nada más alejado de su preciosista figuración al dibujo que la obra de Jaume Ribas: en un potente cuadro abstracto en rojo de dos metros por dos titulado Trànsit. Y de la abstracción a la metáfora lingüística. En Estilemas. Trazos de estilo, Francisco Lira presenta cuatro piezas geométricas, de líneas pop y coloristas con frases que remiten al amor, la vida y la muerte, tres conceptos que sintetizan el mito de Medusa con versos comoTotalidad no hay sino fragmento o Límite limitante la muerte. «Se trata de adentrarnos en el estilo de la frase, de su construcción. Es un juego alternante y discontinuo de la palabra y el color», apunta Lira, director del centro alternativo La Carbonería de Sevilla.

Para pop y líneas geométricas, la interpretación de Antonio Calderón, alias Willy, que actualiza a Medusa en versión moderna, muy del nuevo milenio. Su Medusa podría ser una hacker cyberpunk, una skater, una okupa psicodélica, una protagonista de cómic underground. «Me fascinan la geometría y la publicidad. Por eso el lenguaje de la obra es muy conciso y depurado, con fragmentos que podrían ser de un anuncio y colores muy intensos», admite Willy.

Radicalmente diferente resulta la instalación de Quico Estivill Una gorgona en casa. Medusa vs Freud. En esta pieza, Estivill parte del complejo de castración que Freud asoció al mito de Medusa (resumiendo: para Freud el pelo de serpientes representa el descubrimiento traumático del niño cuando ve por primera vez el vello púbico de la madre y lo vincula al miedo de perder el miembro viril). Una puerta con aire de guillotina corta una cabeza de Medusa en la que las serpientes han sido sustituidas por penes. «Es una Medusa muy personal. Aunque para interpretarla quizás sería mejor un psiquiatra…», ironiza el artista. Un psiquiatra, un rastafari, un poeta o cualquier chica del siglo XXI…

3 febrero 2016 at 9:38 pm Deja un comentario

Una exposición hurga en las raíces de Lusitania

La muestra, abierta en Lisboa hasta el 30 de junio, viajará este verano a las salas del madrileño Museo Arqueológico Nacional

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Imagen de la exposición «Lusitania romana: origen de dos pueblos» – ABC

Fuente: FRANCISCO CHACÓN  |  ABC       01/02/2016

Cuando Lisboa era Olissipo, su papel no era ser capital de Lusitania, provincia romana que incluía los actuales dominios de Portugal y que tenía su epicentro en la urbe de Augusta Emerita, es decir, Mérida, pues abarcaba también lo que hoy es Extremadura y parte de Andalucía.

Sus habitantes eran ciudadanos de pleno derecho en el imperio, de acuerdo con un convenio sellado entre las autoridades del municipio y Roma.

Ahora todo aquel universo parece cobrar nueva vida en la exposición «Lusitania romana: origen de dos pueblos», abierta hasta el 30 de junio en el Museo Nacional de Arqueología de Lisboa, ubicado en el Monasterio de los Jerónimos, en plena zona monumental de Belém. Con posterioridad, desembarcará este verano en el renovado Museo Arqueológico Nacional, en Madrid (aunque las fechas no están cerradas todavía).

La muestra, que estrecha los lazos comunes aún vigentes entre los dos países, contiene 207 piezas (bustos, vasijas, documentos, herramientas y un largo etcétera) procedentes de varios museos destacados de Portugal y España.

Un apasionante viaje que halla su principal punto de referencia en una obra cumbre para comprender las raíces que nos unen: «Portugal romano», de Jorge de Alarcao, un volumen escrito hace más de cuatro décadas y que no puede soslayarse a la hora de contar con la documentación adecuada en relación a la época.

La entidad administrativa lusitana se puso en pie 2.000 años atrás (entre el 16 y el 13 a. C.) y lucía una aureola muy especial, pues se trataba del ‘finis terrarum’. Los límites, por tanto, llegaban hasta el Océano Atlántico.

Fue el propio emperador Augusto quien tomó en consideración el vasto enclave como un destino para distribuir tierras entre los veteranos (fundamentalmente itálicos) de sus legiones, que se habían distinguido en las guerras contra los astures o los cántabros.

En un momento en que la atención política española ha virado hacia Portugal (desde que Pedro Sánchez se fijó en el «pacto a la portuguesa» para tratar de emularlo en un gobierno donde se embarcaría con la izquierda radical), la visita a esta exposición arroja luz sobre los reales vínculos históricos y los vasos comunicantes, más allá de hechos puntuales e intereses partidistas.

El recorrido por el Museo Nacional de Arqueología nos retrotrae hacia una dimensión antigua que, en realidad, nos puede catapultar hacia otra más nueva, en vista de que aún restan numerosos lazos por activar.

Como queda de manifiesto, Lusitania era un todo. Y los rastros de aquel legado no dejan de estar disponibles para admirarlos, tal cual demostró el colectivo de investigadores universitarios y museísticos que se afana en estudiar semejante tronco social desde 1988.

De hecho, la retrospectiva se complementa con un catálogo que presenta textos firmados por especialistas de cinco países, en un diáfano retrato de la fascinación historiográfica que despierta.

El itinerario propuesto nos hace más conscientes de que la idea de Estado y de Cultura que nos ha marcado en todos estos siglos encuentra en el microcosmos lusitano antecedentes de vital importancia: tejido político, red de infraestructuras, eje administrativo y religioso… Cinco siglos de bases sin las cuales no podríamos entender lo que son hoy Portugal y España, tal vez llamados a remozar su savia ibérica en aras de preservar y proyectar hacia el futuro la identidad de la península.

1 febrero 2016 at 11:40 pm Deja un comentario

¿Cómo era la Roma del siglo XVIII?

El Museo Británico rinde homenaje a Francis Towne, uno de los mejores acuarelistas británicos, quien pintó las ruinas de Roma

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Dentro del Coliseo (1780), de Francis Towne. Foto: The Trustees of th e British Museum

Fuente: NATIONAL GEOGRAPHIC

Para intuir cómo era la Roma del siglo XVIII hay que contemplar la pintura de la época, pues las primeras fotografías de la ciudad se remontan a mediados del siglo XIX. El acuarelista Francis Towne, nacido en Londres en 1739, pintó las ruinas de Roma cuando apenas habían sido excavadas y los turistas las podían visitar libremente.

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Dentro del Coliseo (1780), de Francis Towne. Foto: The Trustees of th e British Museum

Towne viajó a Roma en 1780, en un período de crisis política en Inglaterra, cuando Estados Unidos luchó por su independencia y poco antes del estallido de la Revolución Francesa. Las ruinas del antiguo Imperio romano eran consecuencia de la corrupción política y Towne y su círculo social las veían como un aviso de lo que le podría ocurrir a Inglaterra y a la sociedad de su época.

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El Templo de Vesta (1781), de Francis Towne. Foto: The Trustees of th e British Museum

Cincuenta y dos paisajes de Roma

Towne intentó ser elegido por la Real Academia británica hasta en once ocasiones, pero no consiguió su objetivo. Sus méritos artísticos fueron reconocidos tras su muerte en 1816, cuando legó su obra al Museo Británico. A comienzos del siglo XX finalmente fue reconocido como uno de los mejores acuarelistas británicos y hoy, en el bicentenario de su muerte, se le dedica una exposición en el Museo Británico. La muestra Luz, tiempo, legado: las acuarelas romanas de Francis Towne, del 21 de enero al 14 de agosto de 2016, reúne las 75 bellas acuarelas que el artista legó al museo, entre ellas 52 paisajes de Roma que no se habían mostrado juntos desde 1805. Cuando Towne llegó a Roma empezó a organizar excursiones al norte de la ciudad, donde pintó paisajes rurales, pero luego se interesó por los monumentos de Roma, como el Coliseo o la basílica de San Pedro, que se pueden contemplar en esta espléndida muestra.

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Un sepulcro en el camino entre Roma y el Ponte Nomentano (1780), de Francis Towne. Foto: The Trustees of th e British Museum

26 enero 2016 at 8:21 pm 2 comentarios

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Reunificación de los Mármoles del Partenón

"Hacemos un llamamiento a todos aquellos que en el mundo creen en los valores e ideas que surgieron a los pies de la Acrópolis a fin de unir nuestros esfuerzos para traer a casa los Mármoles del Partenón". Antonis Samaras, Ministro de Cultura de Grecia

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