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Obra Comentada: Las tres Gracias, de Rubens

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Obra Comentada: La fragua de Vulcano, de Velázquez

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28 enero 2016 at 2:20 pm Deja un comentario

Roberto Ferri, “el nuevo Caravaggio”

Mónica Mateos-Vega | La Jornada   25/03/2014

  • El italiano Roberto Ferri inaugurará una exposición este viernes en Florencia
  • Cultiva las técnicas del claroscuro barroco y está por descubrirse en Estados Unidos y América Latina

Roberto-Ferri-Chloris

Retrato de la estrella del burlesque italiano Giuditta Sin, que Roberto Ferri tituló Chloris, 2014 (en la mitología griega, es el nombre de la diosa de las flores), incluido en la exposición que se abre el viernes 28 en la galería Etra Events, en Florencia. Imagen tomada de la página electrónica www.robertoferri.net

El pintor italiano Roberto Ferri (Tarento, 1978) tiene 35 años, pero su pincel no es de este siglo.

Sus obras, herederas de las pulcras y magistrales técnicas del claroscuro barroco, parecen haber nacido en aquella Roma de finales del Renacimiento, pero irrumpen en pleno siglo XXI con un poder que inquieta, aturde y seduce.

Estamos ante un nuevo clásico que hoy causa furor en Europa y está por descubrirse en Estados Unidos y América Latina.

El viernes 28 inaugura en Florencia la exposición Roberto Ferri y la eternidad de la pintura, esperada por el público y los coleccionistas con expectación, y con la cual se recupera la gran tradición del arte figurativo en la ciudad, afirma la curadora Francesca Sacchi Tommasi de la galería Etra Events, sede de la muestra.

Se presentarán unas 15 pinturas sobre lienzo (el número exacto se conocerá el día de la apertura), todas de manufactura reciente; entre ellas, un bellísimo retrato de la estrella del burlesque italiano Giuditta Sin, que el pintor tituló Chloris (en la mitología griega, es el nombre de la diosa de las flores).

Transgresión y pesadillas

La obra que verá el público de Florencia en los próximos días es la representación anatómica perfecta de cuerpos y lo sagrado, en poses y expresiones que recuperan y actualizan los modelos clásicos, el elemento central del estilo del artista, añade Saachi.

Son imágenes de carne y deleite, transgresión y pesadillas, las cuales se difunden en varias páginas de Internet (además del sitio web personal del artista) luego del éxito que logró su reciente exposición Noli foras ire (frase en latín que en español sería algo así como No quieras derramarte fuera), la cual se presentó en mayo y junio del año pasado en uno de los recintos más importantes de la capital italiana, el Palazzo delle Esposizioni.

Ahí, el público se rindió ante Ferri y sus paraísos perdidos, luciferes, ángeles caídos, sirenas malignas y otras concupiscentes bestias. Ya en 2011 su nombre había causado polémica en el mundo del arte, cuando presentó Vía Crucis, obras comisionadas por la catedral siciliana de Noto, cuyo protagonista es un atlético y sensual Jesucristo. Las 14 estaciones de la Cruz fueron expuestas en el Palazzo Grimani en Venecia durante la Bienal Internacional de Arte.

A propósito de esta serie, el historiador de arte Maurizio Calvesi escribió: “Ahora el ‘anacronismo’ en la pintura de Roberto Ferri emerge en toda su literalidad de recuperación de la pintura después de Miguel Ángel, concediendo sólo a un instrumento de la modernidad: el surrealismo, el cual envuelve con sus formas abstractas de intranquilidad visceral, con innegable sabiduría, pasión y empatía, las paredes de los museos, entre la gracia y la morbosidad sadomasoquista. Aquí es un surrealismo que tiene la capacidad metamórfica de un Dalí, excepto que en Dalí es viscosa, en cambio, en Ferri es carnal”.

Roberto-Ferri-Réquiem

Réquiem, 2012, cuadro de Ferri incluido en la exposición Noli foras ire (No quieras derramarte fuera) Foto tomada del catálogo de la muestra

Búsqueda de secretos

Mientras trabaja en una importante comisión que mantiene en reserva y se prepara para exhibir por primera vez en Nueva York, en una muestra individual, Roberto Ferri ofrece, vía correo electrónico, una entrevista a La Jornada:

–¿Cómo se apoderaron el claroscuro y las técnicas clásicas de su obra?

–Descubrí a Caravaggio y al barroco desde pequeño, mirando un libro de mi abuelo. Desde entonces quedé fascinado con el tenebroso mundo de la sombra y la luz radiante, fue así que quise hacer mía esa técnica, para narrar mi mundo.

Ferri explica que nació a orillas del mar Mediterráneo, en la sureña ciudad de Tarento en 1978. Desde adolescente se empeñó en estudiar todo lo relacionado con la teoría y la práctica de la pintura. En particular, sus investigaciones se enfocaron en el quehacer artístico del siglo XV hasta finales del XVIII, enamorado de los maestros del claroscuro y el simbolismo, y sobre todo de los grandes del academicismo y el dibujo como Jean-Auguste-Dominique Ingres, Anne-Louis Girodet, Théodore Géricault, Charles Gleyre, Frederic Leighton y William-Adolphe Bouguereau, entre otros, quienes lo sorprendieron e incitaron a desarrollar lo que llama mi propia poesía.

Nueva fuerza en la pintura

En 2006, Roberto Ferri se graduó con honores en la Academia de Bellas Artes de Roma, en la especialidad de escenografía, pero desde siempre su principal labor la ha desempeñado frente al lienzo, convencido de que la pintura tiene una nueva fuerza en diversas partes del mundo, lo estoy descubriendo porque muchas personas me dicen que quieren aprender a pintar.

También comenta que lo sorprende la reacción que su obra causa en el público. A diario recibe infinidad de felicitaciones a través de Internet. En particular, las personas se admiran de que siendo tan joven esté pintando ya con esa maestría. Ferri admite que ha sacrificado muchas cosas por pasar no sólo noches enteras dibujando y pintando, sino horas y horas en los museos, mirando la obra de los grandes autores, buscando esos secretos que no se puede aprender en ninguna escuela.

El reconocido crítico de arte italiano Vittorio Sgarbi define a Roberto Ferri como un fenómeno, admirable, es un pintor antiguo. Pero aquí estamos, ante pinturas académicas sorprendentemente modernas y transgresoras, que tienen un efecto borgesiano: piden y obtienen sorpresa, delante de ellas no sabemos decir en qué época estamos.

Respecto del arte contemporáneo y conceptual, Ferri se desmarca y no se anda con medias tintas. Señala que el británico Damien Hirst (Bristol, Reino Unido, 1965), el artista vivo con la obra mejor pagada, es “un excelente hombre de negocios, pero para mí el arte es otra cosa. Precisamente esta energía renovada que tiene en la actualidad la pintura, según yo, viene del hecho de que todos estamos cansados del ‘arte malo’ y sin calidad”.

Roberto-Ferri-Sigillum

Detalle de Sigillum, 2013, lienzo de Ferri, que se exhibió en la muestra Noli foras ire, el año pasado en Roma. El brazo del hombre tiene espinas que se entierran en el costado izquierdo de la mujer Foto tomada del catálogo de la muestra

Lo sagrado y lo profano

En 2002, Ferri participó en su primer muestra colectiva titulada Los animales y los dioses en la galería El Laberinto, en Roma. Al año siguiente, también en esa capital, fue invitado a presentar su primera exposición individual en el Centro de Arte Contemporáneo Luigi Montanarini.

De ahí en adelante los coleccionistas se arrebatan sus obras, varias de las cuales pertenecen a acerbos privados de su país como de Londres, Dublín, París, Madrid, Barcelona, Nueva York, Miami, San Antonio, Boston y Qatar.

Su muestra el año pasado en el Palazzo delle Esposizioni fue calificada de única e impresionó a la crítica por la estremecedora manera en la que un joven artista “convive con lo sagrado y lo profano, así como su deseo de combinar el bien y el mal, como en el óleo Lucifer, donde el ángel caído del cielo, representado mientras imprime su sello en una piedra y en la tierra que gobernará, expresa su belleza al máximo”.

Además de la armonía en las formas y la composición, caracterizadas por un sentido de onirismo y por numerosas referencias a la antigüedad, cuyo propósito es generar asombro y maravilla en el espectador, los críticos alaban la férrea disciplina del pintor, quien señala a este diario: Dedico mucho tiempo a cada cuadro, porque cada obra exige amor y aquello que me hace sentir es indescriptible, trato de plasmarlo, de narrarlo de la mejor manera posible. ¡Es bellísimo!

–¿Qué hay dentro de un artista tan joven que estalla con la intensidad de tantos siglos en cada cuadro?

–Mi mundo interior está hecho de placer y dolor, Eros y Tánatos, sueños y pesadillas, son las imágenes que llevo dentro, entonces, mis cuadros son como ventanas abiertas a todo ello que es la parte más íntima, más escondida, más hermética, pero también la más sensible.

El maestro Roberto Ferri presentará en una magna exposición que se realizará durante el segundo semestre del año, en el museo Bilotti, de Villa Borghese, en Roma, su magistral manera de plasmar las metamorfosis del cuerpo y del alma, una amplia colección de obras recientes de la cual, la muestra Roberto Ferri y la eternidad de la pintura, que permanecerá en Florencia durante un mes, es sólo un primer bocado.

26 marzo 2014 at 11:01 am Deja un comentario

La “Proserpina” de Rossetti se vende por un récord de 4 millones de euros

Proserpina-Rossetti

El cuadro “Proserpina” del artista Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) alcanzó 3.274.500 libras (3.908.880 euros) en una subasta de Sotheby’s de Londres, lo que supone un récord para una obra del pintor británico, confirmó hoy a Efe un portavoz de la casa de subastas.

El cuadro, considerado trascendental del movimiento prerrafaelista y una de las imágenes más reconocidas a nivel internacional del siglo XIX, halló comprador en un coleccionista privado del Reino Unido, cuya identidad no fue revelada.

Según Sotheby’s, cinco pujantes internacionales trataron de adquirir el cuadro en la subasta de anoche.

“Proserpina”, del que el artista produjo diversas versiones, ocupa un lugar fundamental en su obra y el propio pintor lo consideraba el más hermoso de todos sus trabajos.

La modelo de la obra es Jane Morris, la esposa del artista británico William Morris.

Ese cuadro se puso este martes a la venta por primera vez en más de 40 años y el precio de venta sobrepasó con creces las expectativas de Sotheby’s, que esperaba obtener por el cuadro 1,8 millones de libras (2,1 millones de euros).

La venta se fraguó dentro de una puja dedicada al Arte Británico e Irlandés, por la que la casa de subastas londinense obtuvo un total de 7.178.250 libras (8.571.373 euros).

Rossetti, uno de los cofundadores de los prerrafaelistas y una de las figuras más destacadas de ese grupo de artistas, pintó hasta un total de ocho versiones diferentes de “Proserpina”.

La obra, de tema mitológico, muestra una figura de una bella y seductora joven, que se identifica con Proserpina, la dominadora de los infiernos en la Antigüedad clásica.

Fuente: EFE | ABC

Procedencia de la imagen: Sotheby’s

20 noviembre 2013 at 8:16 pm Deja un comentario

Una pintura romana oculta bajo un fresco del Louvre

Como ya hemos comentado en otras muchas ocasiones, no es extraño que las restauraciones o el estudio de algunas obras de arte mediante las técnicas e instrumentos más modernos acaben por desvelar detalles sorprendentes en pinturas de todas las épocas.

Eso es lo que ha sucedido, precisamente, tras el reciente análisis de un fresco que se exhibe en el Museo del Louvre, y que forma parte de la llamada ‘Colección Campana’.

tres-hombres-Louvre

“Tres hombres armados con lanzas”, mural de la Colección Campana, en el Louvre

La obra en cuestión, titulada ‘Tres hombres armados con lanzas’, está datada en el siglo XIX, pero gracias al uso de una moderna técnica que emplea la radiación terahertz –la misma que usan los polémicos escáneres capaces de ver bajo la ropa que hay en algunos aeropuertos– se ha descubierto que bajo las pinceladas visibles hay una obra más antigua, a todas luces de época romana.

Los resultados de este importante hallazgo fueron presentados durante la celebración de un congreso de la Sociedad Química Americana, donde se dieron a conocer los detalles sobre la aplicación de esta técnica al estudio de obras de arte pues, curiosamente, esta era la primera ocasión en la que se empleaba la tecnología terahertz con este cometido.

Según explicó J. Bianca Jackson, una de las participantes en el estudio –en el que han trabajado también expertos del Centro de Investigación y Restauración de los Museos de Francia y otras instituciones–, los investigadores sospechaban que bajo el fresco podía ocultarse una obra más antigua.

imagenterahertz

Imagen obtenida con la nueva técnica. En rojo se señala la zona del hallazgo

Esta suposición se fundaba en el hecho de que Giampietro Campana, un coleccionista de arte del siglo XIX propietario de la colección que lleva su apellido, repintaba algunas de las obras que adquiría, sobre todo si estaban parcialmente dañadas.

Este parecía ser el caso de ‘Tres hombres armados con lanzas’, por lo que los responsables de conservación del Louvre decidieron estudiar con detenimiento el fresco, que había sido arrancado de un muro en Italia. Los científicos emplearon varias técnicas no invasivas de estudio mediante imagen, pero ninguna reveló nada anormal.

Sin embargo, cuando los expertos emplearon la tecnología de radiación terahertz las imágenes obtenidas mostraron el rostro de un hombre bajo la túnica de una de las figuras pintadas por Campana en el siglo XIX. Según los especialistas, se trataría del rostro de un antiguo romano, una pintura que tendría unos 2.000 años de antigüedad.

Los resultados han sido tan satisfactorios que los autores de la investigación ya han comenzado a trabajar para aplicar la misma técnica en un antiguo icono ruso de estilo bizantino, así como en restos arqueológicos descubiertos en Turquía.

Aunque este proceso de análisis mediante radiación terahertz es bastante lento y laborioso –se precisan varias horas para estudiar al detalle una porción de imagen del tamaño de un folio–, la técnica abre interesantes vías a la investigación artística, pues podría desvelar detalles hasta ahora no revelados mediante otros estudios.

Fuente: Javier García Blanco | Yahoo Noticias

19 abril 2013 at 11:11 pm Deja un comentario

Obras de tema clásico en Google Art Project

En los últimos días he estado actualizando las galerías de Google Art Project con las obras de los nuevos museos que se han incorporado recientemente a esta plataforma.

Renoir-Juicio-de-Paris

Pierre-Auguste Renoir. El Juicio de Paris, c. 1908. The Phillips Collection

Como muchos ya sabréis, Google Art Project es un museo virtual que incorpora en la web más de 30.000 obras de arte en alta resolución, pertenecientes a más de 150 museos de todo el mundo; un recurso excepcional para los amantes del arte, pues nos permite admirar con todo lujo de detalle algunas de las obras más importantes del mundo.

También desde el punto de vista didáctico Google Art Project supone una experiencia educativa interesante: Con esta herramienta podemos recorrer virtualmente los museos adscritos al proyecto (dado que incorpora la tecnología Street View), confeccionar galerías con los temas que nos interesen y examinar las obras con más detalle que si estuviéramos físicamente delante de ellas.

Fue precisamente con la intención de utilizar este recurso en el aula con la que inicié esta labor de recopilación de las obras de temática clásica que atesora, que son muchas. En el campo de la mitología, por ejemplo, nos permite confeccionar un pequeño banco de imágenes del cual poder echar mano en cualquier momento en clase y comparar cómo ha sido plasmado estéticamente un mito por distintos autores o en diferentes épocas.

Dejo los enlaces por si a alguien pudiera interesarle.

Galerías:

10 enero 2013 at 7:53 pm 2 comentarios

Arte inspirado en Pompeya, la ciudad enterrada en lava

Una exposición del J. Paul Getty Museum de Los Ángeles recopila obras de arte, del siglo XVIII hasta ahora, basadas en la tragedia de la ciudad descubierta en 1748

Hay obras de Ingres, Piranesi, Duchamp, Dalí, Warhol…

La muestra se detiene en la visión decadente que se popularizó de la ciudad y en el poder plástico de las explosiones volcánicas

El inglés Sebastian Pether pinta en 1824 al Vesuvio en erupción destruyendo una ciudad romana (Sebastian Pether – © 2012 Museum of Fine Arts, Boston)

Hubo entre 10.000 y 25.000 muertos, víctimas que en un segundo estaban cubiertas de lava, congeladas en posturas de horror, tapándose la boca para no ahogarse con el humo, abrazando a sus seres queridos. En el año 79 el Vesuvio sepultó las ciudades romanas de Pompeya y Herculano, cerca de Nápoles. La espesa capa de ceniza volcánica conservó calles, edificios, frescos y hasta las siluetas de los que no pudieron escapar.

El J. Paul Getty Museum de Los Ángeles (EE UU) expone a partir del 12 de septiembre The Last Days of Pompeii: Decadence, Apocalypse, Resurrection (Los últimos días de Pompeya: decadencia, apocalipsis y resurrección), una recopilación que refleja la influencia que la tragedia ha tenido en el arte.

Corrupta, lujuriosa e inmoral
Desde su descubrimiento en 1748, la ciudad ha inspirado a artistas como Piranesi, Fragonard, Ingres, Alma-Tadema, Duchamp, Dalí y Warhol. La muestra recopila pinturas, grabados, esculturas, fotografía y material audiovisual de autores de todas las épocas que en algún momento de su carrera se vieron seducidos por Pompeya.

La erupción del Vesuvio era, según el escritor, un castigo divino. La novela del escritor y político Edward Bulwer-Lytton (1803-1873) Los últimos días de Pompeya (1834) alimentó la imaginación de los pintores del siglo XIX y más tarde inspiró al cine mudo, al sonoro y a la televisión. La obra (que se presentaba como fiel a la realidad histórica) mostraba a la ciudad, justo antes de la erupción del Vesuvio, como corrupta, lujuriosa e inmoral: la destrucción completa era, según Bulwer-Lytton, el castigo divino a sus habitantes.

La naturaleza implacable o una amenaza atómica
El banquete decadente que ilustra el pintor italiano Francesco Netti en 1880 es una prueba de la huella que la versión de Pompeya como lugar de moral relajada e indulgencia erótica ha dejado en el arte.

La versión de Warhol combina la ansiedad moderna con los colores del cómic La exposición se detiene en la perspectiva de ciudad castigada por sus pecados y también en el poder plástico de las imágenes apocalípticas, entre fascinantes y terroríficas, de una erupción volcánica letal. Los pintores del siglo XVIII y XIX celebraban con esas escenas la idea romántica de la naturaleza implacable. Los pintores del siglo XX exploran traumas como la II Guerra Mundial o la amenaza atómica. La versión del Monte Vesuvio de Andy Warhol combina la ansiedad moderna con los colores del cómic.

Las fotografías que el italiano Giorgio Sommer tomó en 1874 documentan la creación de moldes para recuperar los contornos de los cuerpos, grabados en la lava solifidicada.  Una de estas imágenes es la famosa figura de un perro contorsionado, que ha influído en varias obras de arte moderno.

Fuente: HELENA CELDRAN | 20minutos.es     21/08/2012

21 agosto 2012 at 6:11 pm Deja un comentario

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