Posts tagged ‘pintura mitológica’

Obra comentada: Las tres Gracias, de Rubens

Maite Jover, del Servicio de Documentación Técnica y Laboratorio del Museo Nacional del Prado, comenta la obra «Las tres Gracias» (1630 – 1635) de Pedro Pablo Rubens.

Más información sobre esta obra: https://www.museodelprado.es/coleccio…

Fuente: Canal del Museo Nacional del Prado en Youtube

 

18 enero 2018 at 7:52 pm Deja un comentario

El juicio de Paris, de Rubens, con comentarios en latín

El juicio de Paris (h. 1638) de Pedro Pablo Rubens con comentarios en latín de Jorge Tárrega Garrido, presidente del Collegium Latinitatis.

Esta presentación forma parte de una serie de recorridos didácticos impartidos en latín para conocer las principales obras mitológicas de Rubens entre las que también figuran Las tres Gracias, El banquete de Tereo y Aquiles descubierto por Ulises y Diómedes.

Esta iniciativa propone aunar la cultura artística y la lengua fundacional de la cultura europea, que sirvió de vehículo de comunicación durante siglos.

Más información sobre esta obra:
https://www.museodelprado.es/coleccio…

Fuente: Canal del Museo Nacional del Prado en Youtube

 

28 junio 2017 at 8:45 pm Deja un comentario

Las tres Gracias, de Rubens, con comentarios en latín

Las tres Gracias (1630 – 1635) de Pedro Pablo Rubens con comentarios en latín de Esteban Bérchez Castaño, vicepresidente del Collegium Latinitatis.

Esta presentación forma parte de una serie de recorridos didácticos impartidos en latín para conocer las principales obras mitológicas de Rubens entre las que también figuran El juicio de Paris, El banquete de Tereo y Aquiles descubierto por Ulises y Diómedes.

Esta iniciativa propone aunar la cultura artística y la lengua fundacional de la cultura europea, que sirvió de vehículo de comunicación durante siglos.

Más información sobre esta obra:
https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-tres-gracias/145eadd9-0b54-4b2d-affe-09af370b6932?searchMeta=las%20tres%20gracias

Fuente: Canal del Museo Nacional del Prado en Youtube

 

28 junio 2017 at 8:35 pm Deja un comentario

La violencia de género en los grandes museos

Raptos, violaciones, humillaciones y toda clase de vejaciones hacia las mujeres están ampliamente representadas en cuadros, dibujos y esculturas

Susana y los Viejos’, de Artemisia Gentileschi. WIKIMEDIA

Fuente: CONCHA MAYORDOMO  |  EL PAÍS
9 de mayo de 2017

Visitar los grandes museos europeos, aquellos que recogen las obras que la historia del arte ha calificado como maestras, no es siempre una experiencia gratificante, independientemente de la perfección técnica, el tratamiento del color, el equilibrio en la composición, el ritmo, la luz, la atmósfera… A veces el tema, especialmente el de las escenas bíblicas o mitológicas, puede dejar sin aliento; raptos, violaciones, humillaciones y toda clase de vejaciones hacia las mujeres están ampliamente representadas en cuadros, dibujos y esculturas, y obedecen a una ideología visual en la que la situación social de la mujer queda explícitamente agraviada.

La obra de Pedro Pablo Rubens, Rapto de las hijas de Leucipo, que podemos contemplar en la Pinacoteca Antigua de Múnich, nos sitúa ante una de las escenas más violentas de todo el período barroco. En ella se desarrolla una brutal agresión. El secuestro de dos bellas jóvenes de la época, que desnudas, son atrapadas entre unos caballos encabritados por unos seres descomunales, con la evidente idea —así su título lo indica— de ser arrancadas de su entorno natural y forzadas hacia una vida desconocida. La mitología nos cuenta que ese rapto forma parte de una historia romántica, ya que incluye un pequeño cupido, pero a nadie se le escapa la desesperada resistencia de las dos mujeres y la ferocidad que desprende toda la composición.

‘El rapto de las hijas de Leucipo’, de Rubens. WIKIMEDIA

En el Museo del Prado también podemos asistir a este tipo de escenas violentas pintadas con gran maestría por Rubens, como El rapto de Hipodamía, en este caso realizado con la colaboración de su taller. Ilustra la escena del secuestro de una de las mujeres más hermosas de su generación el día de su boda por parte del centauro Éurito. Hipodamía aparece representada semidesnuda, con el pecho al aire y los ropajes desgarrados, probablemente debido a la resistencia que opuso ante la fuerza de su secuestrador y que Ovidio lo describe de la siguiente forma en Las Metamorfosis:

‘El rapto de Himodamía’, de Rubens. MUSEO NACIONAL DEL PRADO

«Porque a ti, el más bestial de los bestiales, Éurito, te ardía el corazón tanto por el vino como por la visión de la novia, y reinaba una embriaguez que duplicaba la lujuria”.

Al parecer Rubens se especializó en la escenificación de raptos: Rapto de Proserpina y la copia anónima de su obra Rapto de Deyanira, todos ellos pertenecientes a las colecciones del Museo del Prado.

La escultura tampoco fue ajena al tema, una de las obras más celebradas de esta disciplina artística es El rapto de las Sabinas de Juan de Bolonia, actualmente en la Galería de la Academia de Florencia. Algunas opiniones quieren ver en el grupo escultórico el carácter romántico de un ballet, pero una mujer extremadamente levantada mientras lucha por su libertad, agitando los brazos y gritando de desesperación para poder desprenderse de su secuestrador no convence como idea de consentimiento.

‘El rapto de Proserpina’, de Rubens. MUSEO NACIONAL DEL PRADO

El grupo escultórico fue expuesto en el exterior, concretamente en la Piazza della Signoria Loggia dei Lanzi de Florencia, donde fue agredido por unos vándalos, causándole graves daños. Pretendían colocar una botella en la mano de la secuestrada. Parece lógico pensar que el hecho de mostrar públicamente una vejación de derechos puede incitar a que esa actuación pueda ser compartida por otros que hacen alarde de los mismos principios.

«Cuando el objeto erótico es una mujer, la incitación al rapto se potencia porque también, en cierto modo, puso Dios en el mundo a la mujer para ser arrebatada, no digo que deba ser así, pero ¿qué le vamos a hacer si Dios lo ha arreglado de esa manera?», se preguntaba Ortega y Gasset en Estudios sobre el amor (Editorial Plenitud, 1957).

Entre los grabados de la serie ‘Los Desastres de la Guerra’, el aguafuerte titulado ‘No quieren’, de Goya. WIKIMEDIA

En la producción de Francisco de Goya encontramos otras escenas que contienen violencia explícita contra las mujeres. Entre los grabados de la serie Los Desastres de la Guerra, el aguafuerte titulado No quieren representa a una mujer aparentemente joven que se defiende del acoso de un soldado francés mientras una anciana, cuchillo en mano, trata de protegerla. Con esta obra Goya parece ser sensible a la dignidad femenina, sorprendentemente en la serie Los Caprichos, junto a la estampa Que se la llevaron, incluye un comentario manuscrito en el que culpabiliza a la mujer de la agresión: «La mujer que no sabe guardar es del primero que la pilla y cuando no tiene remedio se admiran de que se la llevaron».

Susana y los Viejos

La Historia de Susana y los Viejos es un breve texto independiente asociado al Libro de Daniel del Antiguo Testamento que ha sido ilustrado ampliamente: Rembrandt, Rubens, Artemisia Gentileschi, Lorenzo Lotto, Albrecht Altdorfer, Anthonis van Dyck, Tintoretto, Veronese, Guercino, Domenichino, Francesco Hayez, Franz von Stuck, Lovis Corinth, Bartolomeo Altomonte, Lukas Vorstermann o Johann Spillenberger plasmaron en sus lienzos el esplendor de la belleza desnuda de la joven.

Arquián y Sedequía eran dos ancianos jueces que acudían asiduamente a casa del rico Joaquín, esposo de Susana, para dirimir algunos pleitos. Un día de mucho calor Susana quiso bañarse en una de las fuentes de la casa sin percatarse de que los ancianos, que desde hacía tiempo la deseaban con pasión, se habían escondido para observarla. Trataron después de forzar su voluntad para ser sometida sexualmente, al resistirse ella, la calumniaron acusándola de adulterio. El juez Daniel demostró su inocencia y la sentencia a muerte que pendía sobre Susana acabó recayendo sobre los ancianos.

‘Susana y los Viejos’, de Tintoretto. GOOGLE ART PROJECT

En Susana y los Viejos de Tintoretto, que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, el pintor se esmeran en presentar a una mujer en su espacio íntimo, cosificada y expuesta para su contemplación, no sólo para los rijosos que aparecen en la escena, también para todo aquel que contemple el cuadro. Susana es una mujer voluptuosa que se acicala en su baño mientras se contempla en un espejo sólo cubierta por una completa colección de joyas. Parece demostrar con ello, la magnífica fortuna del marido, y que fueron sus encantos los que le logró conquistar. Mantiene además, para mayor incitación, las piernas semiabiertas.

Por su parte Rubens, en la obra del mismo título, expuesta en Museo de la Real Academia de San Fernando de Madrid, pone especial énfasis en mostrar la carnalidad del cuerpo de la joven que es destapado por los viejos, uno de ellos con actitud decididamente amenazante.

‘El rapto de las Sabinas’, de Juan de Bolonia. RICARDO ANDRÉ / WIKIMEDIA

Muy al contrario, la versión que sobre el episodio realiza la italiana Artemisia Gentileschi, que se conserva en el Castillo de Weissenstein de Pommersfelden (Alemania) presenta a la joven Susana avergonzada, huidiza y asqueada del acoso de las dos figuras grotescas que traman sus estrategias.

En la mitología el rapto era un acto razonablemente legitimado, cuyas víctimas propiciatorias solían ser jóvenes vírgenes, o bien mujeres honestas que los pintores de todas las épocas —incluido Pablo Picasso— han representado de manera misógina para uso y disfrute no sólo de los cuerpos esteriotipados por los gustos de la época, sino también como demostración de la fuerza y la razón del género masculino frente al definido como débil. Estos hechos seguramente continuarían con una violación. Raptos, vulneración de la intimidad o calumnias pueden ser vistas en otras muchas obras maestras que componen la historia del arte con mayúsculas estetizando la violencia de género, por ello es importante que la belleza que encierran no desvíen la atención de que somos testigos también de la representación de delitos infames.

 

9 mayo 2017 at 6:57 pm Deja un comentario

«El perdón y la furia» de Antonio Altarriba y Keko

Partiendo de las imágenes de Ticio e Ixión de Ribera, que se exponen en la Rotonda Alta de Goya del Museo del Prado (primera planta del edificio Villanueva), Antonio Altarriba y Keko (José Antonio Godoy) proponen una intriga apasionante que transcurre entre la luz y la oscuridad, la redención y el dolor, la gracia y la penitencia, y el perdón y la furia.

Fuente: Canal del Museo del Prado en Youtube

 

4 febrero 2017 at 3:19 pm Deja un comentario

Obra comentada: Dédalo viendo caer a su hijo Ícaro, de Francisco de Goya

Javier Portús, Jefe de Departamento de Pintura Española (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado y comisario de la exposición «Metapintura. Un viaje a la idea del arte», comenta «Dédalo viendo caer a su hijo Ícaro», de Francisco de Goya.

Fuente: Canal del Museo Nacional del Prado en Youtube

 

29 noviembre 2016 at 7:18 pm Deja un comentario

Obra comentada: Las hilanderas o la fábula de Aracne, de Diego Velázquez

Javier Portús, Jefe de Departamento de Pintura Española (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado y comisario de la exposición «Metapintura. Un viaje a la idea del arte», comenta «Las hilanderas o la fábula de Aracne», de Diego Velázquez.

Fuente: Canal del Museo Nacional del Prado en Youtube

 

29 noviembre 2016 at 7:14 pm Deja un comentario

El Museo Picasso explora la atracción del pintor por la mitología

El artista malagueño se inspiró en figuras como el Minotauro, el Centauro o el Fauno

museo_picasso

Presentación de la nueva exposición de Picasso en el Museo Picasso de Barcelona (Xavier Gómez)

Fuente: EFE – Barcelona  |  LA VANGUARDIA
28 de noviembre de 2016

A lo largo de su trayectoria el pintor Pablo Picasso se inspiró para sus obras en la mitología clásica grecorromana, atrayéndole figuras como el Minotauro, el Centauro o el Fauno, tal como se constata en la exposición «Mitologías, obra gráfica», que se podrá ver en el Museo Picasso hasta marzo de 2017.

La comisaria Claustre Rafart ha explicado hoy durante una visita con los medios de comunicación que ha escogido cuarenta grabados de la colección del centro, desde el primero que realizó sobre esta temática, de carácter muy académico y centrado en Hércules, hasta piezas de los años sesenta como una potente «Cabeza de fauno» o una colorista «Dánae».

Entiende Rafart que el artista «iba muy a la suya» a la hora de representar personajes mitológicos, un truculento mundo muy integrado en la vida cotidiana, que pintó «muy pocas veces» respetando lo esencial del mito clásico, y sí en cambio que presentó descontextualizado y ganando nuevos valores o a partir de trabajos en los que dialogaba con grandes precedentes suyos como Rubens o Velázquez.

La primera representación del Minotauro es del año 1900 y se encuentra en el cuadro «La violación», con un hombre cuyos pies ya se están metamorfoseando en una suerte de pezuñas.

Precisamente, Rafart ha destacado que esta figura, la de Fauno, y la del Centauro, son las que más aparecen y le sirven al pintor como «alter ego», para mostrar «sus pulsiones amorosas, su vigorosidad masculina».

En este punto, se ha detenido la comisaria para comentar que el Minotauro fue su mito ideal en los años treinta para mostrar lo que como hombre no podía hacer, su enamoramiento hacia Marie-Thérèse Walter, con lo que el monstruo con cabeza de toro y cuerpo de hombre aparece en varios de sus grabados haciendo el amor con una joven.

Otro de los grabados que llaman la atención en esta exposición es «La Minotauromaquia», uno de los más importantes en la obra del malagueño y «del arte del grabado del siglo XX», un aguafuerte, de 1935, en el que el monstruo provoca la huida de un hombre con sudario.

A juicio de Rafart, en el mismo «hay una amalgama tal de referencias a otros artistas y a sus obras que su riqueza es inabarcable».

A la vez, es el único que hace ese año, cuando deja por escrito que «el arte no le motiva suficientemente».

Por tanto, Picasso escogía historias que le afectaban, «el reflejo de su dualidad hombre-artista y las explicaba a través del mito, tanto como símbolo alegórico del proceso creativo, como reflejo de las turbulencias amorosas de su vida».

En «Sexo a la antigua y a la moderna», de 1968, hace un guiño a Velázquez, mientras que en la última sala, en la que se han colocado varios cabeza de fauno, lo que se muestra es «la alegría de vivir de aquel momento, en los años cuarenta, cuando ya estaba con Françoise Gilot, un momento de vitalidad y alegría».

En cambio, el fauno que presenta en los años cincuenta «iconográficamente es diferente, más de grafiti, espontáneo, rápido, como de garabato».

Otra de las obras, «Bacanal con Eros en la parte superior izquierda», está protagonizada por Eros, y también tiene grabados con Venus y Baco de principales personajes.

Claustre Rafart piensa que la exposición, que le gustaría sirviera como reflexión sobre el papel del mito a día de hoy, no es, sin embargo, la verdadera muestra sobre lo importante del tema del mito en Picasso y ha avanzado que existe interés en organizar otra de mayor tamaño.

Al respecto, ha reconocido que la temática de la mitología no es tan central como la del «artista y la modelo», pero «hay mucha en la obra del pintor, especialmente en la obra gráfica, el dibujo y la cerámica».

 

28 noviembre 2016 at 8:48 pm Deja un comentario

El Museo Getty adquiere la «Dánae» de Orazio Gentileschi

La obra ha sido adquirida por el museo norteamericano por 30,5 millones de dólares

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Dánae. Orazio Gentileschi, c. 1621. Foto: Sotheby’s

«La majestuosa «Dánae»de Orazio Gentileschi es una obra maestra de la pintura italiana del siglo XVII», ha declarado Timothy Potts, director del J. Paul Getty Museum, al comentar la compra por parte de la institución americana del cuadro puesto a la venta el pasado jueves en la casa de subastas Sotheby’s de Nueva York por una cifra de 30,49 millones de dólares, el equivalente a 28 millones de euros (derechos incluidos; un precio dentro de las estimaciones de 25-35 millones de dólares). Esta cifra multiplica por siete el anterior récord pagado por una obra de este pintor.

En la subasta se adjudicaron también diferentes obras de autores como Jacob Jordaens y Pieter Jansz Saenredam entre otros, alcanzándose una recaudación total de 53,5 millones de dólares, unos 49 millones de euros.

La obra refleja la escena más famosa del mito de Dánae: el momento en que Zeus logra tener relaciones con ella transformado en lluvia de oro. De esta unión nacería Perseo.

El tema de Dánae fecundada por Zeus, que Sófocles cita en su Antígona, es uno de los más reproducidos en la historia del arte.

Fuente: Ars Magazine

30 enero 2016 at 9:44 pm Deja un comentario

Obra Comentada: Las tres Gracias, de Rubens

Audioguía infantil animada sobre esta obra maestra de la Colección

https://www.museodelprado.es/coleccio…

28 enero 2016 at 2:26 pm Deja un comentario

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