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La Venus de Botticelli, Lady Gaga y la chica Bond

El museo Victoria & Albert de Londres evoca el influjo del artista en la modernidad

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Una empleada del Museo Victoria and Albert observa dos ‘Venus’ de Botticelli. / TOBY MELVILLE REUTERS

Fuente: PATRICIA TUBELLA > Londres  |  EL PAÍS   03/03/2016

La misma Venus que Sandro Botticelli concibió hace medio milenio emergiendo de una enorme concha aparece con los ojos rasgados y la melena oscurecida en la obra del artista contemporáneo chino Yin Xin, transformada en la erótica imagen de una modelo de nuestros días por su colega estadounidense David LaChapelle o impresa en un vestido de Dolce and Gabbana que Lady Gaga ha paseado por una de sus últimas promociones musicales. La pintura, el diseño, e incluso el cine, que nos presentó a la chica Bond Ursula Andress cual diosa de Botticelli entre las olas, han imitado, copiado, reinventado ese ideal de belleza del maestro florentino (1445-1510) cuya influencia en diversas formas artísticas y en la cultura popular es objeto de una exposición del museo londinense Victoria & Albert.

La muestra, organizada con la Gemälde galerie de Berlín y que se inaugurará este sábado, pretende tanto reivindicar la impronta «global, moderna y contemporánea» de un artista cuya Venus, en primer lugar, ha sido replicada hasta la saciedad (o hasta la saturación en imanes, tazas y toda suerte de objetos de uso común) como relatar el «redescubrimiento» de un Botticelli que hasta la principios del siglo XIX había caído en el olvido.

Como gran perla del despliegue del centenar y medio de obras reunidas bajo el título Botticelli Reimagined, la exposición incluye 50 trabajos originales del artista italiano, en el mayor compendio que se muestra en Reino Unido desde 1930. El nacimiento de Venus, sin embargo, no estará presente en la sede museística de South Kensington porque la fragilidad del cuadro desaconseja que abandone la galería de los Uffizi de Florencia.

Su imagen es, a pesar de todo, omnipresente en un recorrido del V&A que arranca a la inversa en el tiempo, con la exposición de la reciente caricatura del japonés Tomoko Nagao inspirada en la diosa, de la Venus rosa de Andy Warhol o de esa versión de Yin Xin con ojos asiáticos (2008) que busca resaltar cómo nuestra percepción del valor artístico se ve determinada por el contexto cultural. Desde la recreación que el surrealista René Magritte ejecutó en 1957 de la Alegoría de la Primavera hasta las fotografías de Cindy Sherman que recrean las pinturas de Botticelli o los experimentos digitales de Bill Viola, las obras de preeminentes artistas del último siglo toman como referencia la producción del maestro.

Reivindicación

"El renacimiento de Venus', del fotógrafo David LaChapelle. EFE

«El renacimiento de Venus’, del fotógrafo David LaChapelle. EFE

A diferencia de otros genios del Renacimiento, la figura de Sandro Botticelli fue desdibujándose a raíz de su muerte y fueron precisos tres siglos para que obtuviera una reivindicación con mayúsculas. La segunda sección de la exposición de Londres hilvana la historia de esa recuperación, encabezada en tiempos victorianos por el círculo prerrafaelita, una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses fascinados e influídos en sus trabajos por la estética, el detallismo y el luminoso colorido de las pinturas del florentino. Entre el catálogo de obras de este apartado destaca el enorme tapiz de cuatro mujeres que representan la alegoría de la primavera y sostienen una bandera con el texto de un poema de William Morris, o la obsesión de Gustave Moreau por el Nacimiento de Venus, cuadro que copió directa y reiteradamente durante sus visitas a Florencia.

Uno de los miembros de la llamada Hermandad Prerrafaelita, el artista y poeta Dante Gabriel Rossetti, adquirió en aquel tiempo y a un precio muy bajo la única obra de Botticelli, Retrato de una Dama conocida como Smeralda Bandinelli (1470-1475), que hoy forma parte de los fondos del Victoria & Albert y que ha sido restaurada especialmente con motivo de la exposición que se prolongará hasta el 3 de julio.

El genio del artista

Le acompañan en la última sección de la muestra, consagrada en su totalidad al genio de Botticelli, diferentes versiones de la Virgen y el niño junto a otros cuadros de temática religiosa, una colección de dibujos en torno a la Divina Comedia de Dante o la exquisitez en el detalle de Palas y el Centauro. También delicados retratos femeninos y de miembros de la familia Médici, mecenas de un autor de origen modesto (era hijo de un curtidor) que en la Florencia del Renacimiento representa la movilidad social y profesional al ser receptor de importantes encargos de los más poderosos.

Pinturas de Botticelli como esos desnudos femeninos que beben de las esculturas clásicas de Venus vienen a ilustrar, en palabras del director del museo, Martin Roth, cómo “la imaginería de uno de los principales artistas del Renacimiento representa hoy un ideal contemporáneo de belleza”. Y para suplir la ausencia de la más famosa y popular de esas Venus, la sede del Victoria & Albert ha colocado en su entrada una concha gigantesca que invita a los visitantes a hacerse un selfie (#Bottishelfie) emulando a la diosa.

Algunas criaturas del ‘botticellismo’

Ursula Andress saliendo de las aguas en James Bond contra el Dr. No ante la embelesada mirada deSean Connery.
La Venus Rosa, obra de Andy Warhol (presente en la exposición de Londres).
La Venus oriental
del artista chino Yin Xin.
La alegoría de la Primavera
vista en 1957 por el surrealista René Magritte. Los experimentos digitales del videoartista Bill Viola.
Las fotografías de la británica Cindy Sherman inspiradas en el genio renacentista.
El kitch de David LaChapelle retrata a su manera y en colores estridentes a la Venus de Botticelli.
Dolce & Gabbana plasmaron la obra cumbre del artista en uno de sus modelos, lucido con brío durante sus promociones musicales por Lady Gaga.
El nacimiento de Venus, pero en los pinceles y la paleta del pintor francés Gustave Moreau, que lo copió obsesivamente en sus visitas a Florencia.

3 marzo 2016 at 3:08 pm Deja un comentario

Unos ‘cascos azules de la cultura’ protegerán los monumentos mundiales

Italia y Unesco anunciaron este martes la creación de una ‘Task Force’, llamada los ‘cascos azules de la cultura’, formada por 60 expertos para proteger y conservar el patrimonio cultural del planeta, inclusive en lugares afectados por conflictos.

Fuente: AFP    16/02/2016

El Arco del Triunfo y una vista parcial de la antigua ciudad de Palmira, el 14 de marzo de 2014 en este monumento histórico a 215 kilómetros al noreste de Damasco AFP / Joseph Eid

El Arco del Triunfo y una vista parcial de la antigua ciudad de Palmira, el 14 de marzo de 2014 en este monumento histórico a 215 kilómetros al noreste de Damasco
AFP / Joseph Eid

El anuncio fue hecho en el curso de una ceremonia oficial a la que asistieron los ministros italianos de Cultura, Defensa, Educación, además del comandante general de los Carabineros y la directora general de Unesco, Irina Bokova.

La fuerza especial, que por ahora cuenta con 30 agentes especializados de los carabineros y 30 expertos, entre arqueólogos, restauradores y especialistas en arte, será desplegada en los lugares donde el patrimonio cultural corre riesgo por conflictos, terremotos o catástrofes naturales, explicaron fuentes del ministerio de Cultura italiano.

El acuerdo entre Italia y la Unesco fue alcanzado en el marco de la coalición mundial ‘Unidos por el patrimonio’, aprobada en junio pasado. El pasado 17 de octubre, 53 países votaron en París, sede de la Unesco, a favor de la iniciativa italiana.

La creación de esos inéditos ‘cascos azules’, que intervienen con conocimiento y sin armas, responde a la reciente escalada de destrucción y saqueo sistemático de sitios culturales así como a los ataques contra símbolos de la cultura, monumentos arqueológicos y templos de minorías religiosas.

«Tenemos la capacidad de intervenir en el corazón de cualquier civilización. Proteger la cultura y los monumentos es un arma importante para derrotar las amenazas terroristas», aseguró la ministra de Defensa, Roberta Pinotti.

«Son operativos y listos para trabajar cuando la Unesco decida», aseguró por su parte el ministro italiano de Cultura, Dario Franceschini.

La directora general de la Unesco, Irina Bokova, el 4 de octubre de 2013 dando un discurso en la sede del organismo en París AFP / Pierre Andrieu

La directora general de la Unesco, Irina Bokova, el 4 de octubre de 2013 dando un discurso en la sede del organismo en París
AFP / Pierre Andrieu

Italia, entre los países con mayor patrimonio histórico y artístico, cuenta con un cuerpo renombrado de los carabineros especializados en el tráfico de obras de arte, los cuales participarán en la ‘task force’.

Igualmente participarán varios centros especializados en la restauración y conservación de monumentos así como la alcaldía de Turín (norte), donde será creada una escuela de formación abierta a todo el mundo.

El ministerio de Relaciones Exteriores italiano patrocina actualmente más de 170 misiones arqueológicas en todo el mundo.

La destrucción en mayo pasado de las ruinas antiguas de Palmira, en Siria, por parte de miembros del grupo islamista Estado Islámico (EI), conmovió a la comunidad internacional.

Templos, torres funerarias y el arco del triunfo de la milenaria ciudad, situada en pleno desierto, fueron destruidos con explosivos por los yihadistas, que consideran que santuarios y estatuas son símbolos de idolatría.

Bovoka reiteró en Roma que la destrucción de tales monumentos está considerada como un crimen de guerra.

16 febrero 2016 at 10:35 pm Deja un comentario

Italia y la Unesco crean los «cascos azules de la cultura»

El próximo martes se presenta en Roma esta fuerza operativa cuya misión será preservar el patrimonio artístico, reparando los daños causados por desastres naturales o guerras

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Destrucción de los restos arqueológicos de Palmira por parte del Daesh – AFP

Fuente: EFE  |  ABC   13/02/2016

Italia y la Unesco presentarán el martes en Roma a los «cascos azules de la cultura», una nueva fuerza operativa del país europeo cuya principal misión será preservar el patrimonio artístico perjudicado por la guerra o los desastres naturales.

Al acto, que se celebrará en las Termas de Diocleciano, asistirán el ministro de Exteriores de Italia, Paolo Gentiloni, y la directora general de la Unesco, Irina Bokova, informó hoy el Ministerio de Cultura italiano en un comunicado.

También estarán presentes el ministro de Cultura, Dario Franceschini; la ministra de Defensa, Roberta Pinotti; la de Educación, Stefania Giannini, y el comandante general de los Carabineros (policía militarizada italiana), Tullio Del Sette.

Al margen de la ceremonia se firmará un acuerdo internacional con este organismo de Naciones Unidas para la puesta en marcha de un centro de formación para los «cascos azules de la cultura» en la ciudad italiana de Turín. La creación de esta fuerza operativa, bajo el lema «United for Heritage» (unidos por el patrimonio), fue aprobada por la Unesco el pasado 17 de octubre.

El proyecto, cuyos detalles se conocerán el martes, prevé la creación de una unidad especializada italiana compuesta por agentes de los carabineros y por expertos, estudiosos e historiadores del arte, informaron los medios. Estos efectivos no intervendrán en frentes de guerra para defender el patrimonio sino que su misión consistirá, entre otras cosas, en reparar los daños causados por graves crisis como desastres naturales o verificar los desperfectos tras un conflicto.

También ofrecerán a los Gobiernos locales su experiencia para reparar o preservar aquellos bienes culturales que se encuentren en mal estado de conservación.

Italia lanzó esta propuesta a la comunidad internacional después de que se conociera la destrucción de importantes sitios arqueológicos en Siria e Irak por parte de los terroristas de Estado Islámico, como el caso de la ciudad monumental siria de Palmira.

13 febrero 2016 at 5:56 pm 1 comentario

¿Mantiene hoy su vigencia la tragedia griega?

Seguimos hallando en las viejas tragedias de Atenas un enorme caudal de estímulos para la reflexión cívica, ética y política

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De izquierda a derecha, Manuela Paso, Aitana Sánchez-Gijón, Juan Antonio Lumbres y Carmen Machi, protagonistas de las tragedias que se representan actualmente en el Teatro de La Abadía de Madrid. / GORKA LEJARCEGI

CARLOS GARCÍA GUAL / AURORA LUQUE   |  EL PAÍS       01/05/2015

Violencia doméstica

Por Carlos García Gual

Las mejores tragedias griegas, como escribió Aristóteles, tratan de crímenes en la familia. Un joven que mata a su padre y se casa con su madre y así llega a ser rey; una madre que para vengarse del marido que la abandona asesina a sus dos hijos; un regente que condena a muerte a su sobrina porque ella quiso enterrar a su hermano, son muy buenos ejemplos. Los estragos contra ese lazo afectivo que los griegos llamaban philía y consideraban la base de una existencia digna y feliz producían siempre una conmoción profunda en el público ateniense. Los patéticos sucesos suscitaban “compasión” y “espanto” (éleos y phóbos) por empatía con la catástrofe sufrida por los protagonistas del drama. Y, de propina, cierta purificación emotiva (kátharsis).

Edipo, Antígona, Medea, nombres resonantes de figuras gloriosas de relatos míticos, en el teatro de Dioniso de la democrática Atenas cobraron un sentido renovado. La mitología provee la materia, pero el dramaturgo da una forma nueva a los arcaicos relatos, al resucitar en escena a los héroes y darles la palabra a ellos, sus anhelos y sus quejas, y no ya como figurones lejanos de la épica. Venían del pasado heroico y épico, de cuando los dioses parecían cercanos y se inmiscuían en asuntos humanos. Ahora en la escena revisten profunda humanidad, impulsados por la pasión y su noble carácter al exceso (hybris) y la perdición. El arrojo magnánimo los lleva al error y a la postre al sufrimiento. Esa es la sabiduría trágica discutida desde los románticos y Nietzsche.

La mitología provee la materia, pero el dramaturgo da una forma nueva a los arcaicos relatos

Hay que destacar la originalidad que los grandes dramaturgos logran imponer sobre los temas heredados. El mito de Edipo era muy conocido y podía entenderse como un ejemplo de una fatalidad cumplida. Nada fatal hay en Sófocles, que da a su drama la estructura de un relato policiaco. En la investigación sobre el antiguo crimen, la muerte oscura del rey Layo en la encrucijada de Delfos, Edipo actúa en diversas funciones: es el investigador, el juez, el verdugo y el asesino. Todo funciona con precisión maquinal para revelar quién es él: bajo la máscara de gran rey sabio aparece su figura de criminal, y su empeño por sacar a luz la verdad lo destruye, y acaba ciego, maldito y desterrado. Víctima de su afán de verdad, ¿quién más noble que Edipo?

En Antígona, Sófocles escenifica el conflicto entre dos leyes: la de la ciudad, defendida por Creonte, y la no escrita de la sangre y el amor familiar, la de Antígona. Un conflicto paradigmático, según Hegel, porque ambos tienen razón, y el agón trágico entre tío y sobrina es inolvidable. En Medea, la princesa bárbara que salvó a Jasón, actúa como una fiera herida —en su amor propio más que por anhelo erótico— al matar a sus hijos para castigar al esposo traidor. Sus razones impresionan tanto como sus manos sangrientas. Al hacerla tan razonable como cruel, Eurípides escandalizó a los atenienses. El teatro humaniza el relato mítico y lo expone así a incesantes y modernas relecturas.

Carlos García Gual (Palma de Mallorca, 1943) es catedrático de Griego de la Universidad Complutense. Premio Nacional de Traducción, sus últimos libros son Sirenas (Turner) y El mito de Orfeo (Siglo XXI).

De Antígona al juez Garzón

Por Aurora Luque

¿Que si tiene vigencia la tragedia griega? Si consideramos candentes asuntos como la desesperación de los refugiados que se arrojan al mar, el destino de las víctimas civiles de un conflicto, la protesta ante la sepultura indigna dada a los vencidos, la soberbia ciega de los muy poderosos que les distancia de las sociedades que gobiernan o la búsqueda de una justicia civil racional frente a ajustes de cuentas tribales, entonces seguiremos hallando en las viejas tragedias de Atenas un enorme caudal de estímulos para la reflexión cívica, ética y política. Las suplicantes de Esquilo huyen en barco (“una casa cosida con cordajes”) de un matrimonio indeseado y piden asilo en Argos; la asamblea decidirá sobre la acogida. Son las primeras refugiadas políticas. En Las troyanas (Guernica de su siglo), el pacifista Eurípides pintó el horror de todas las guerras en ese hijo de Héctor arrojado de los muros de una Troya humeante. Hace bien poco asistíamos a reclamaciones semejantes a la de Antígona: los fusilados de la Guerra Civil merecen, como Polinices, un enterramiento justo, una memoria; el juez Garzón, como la heroína de Sófocles, perdió el agón, de momento. La hybris del presidente Aznar en las Azores ya nos la habían contado tanto Eurípides en su Ifigenia en Áulide, con la historia del caudillo Agamenón, que sacrificó lo más valioso a cambio de triunfar en sus expediciones, como Esquilo en Los persas, con la derrota del sobrado y altanero Jerjes. En Las Euménides asistimos a la fundación de un tribunal civil en Atenas para resolver los delitos de sangre que envenenaban a familias durante generaciones. Y en Los persas se relata la invención del amor a la libertad: no es pequeño argumento para los europeos venideros.

La hybris del presidente Aznar en las Azores ya nos la habían contado tanto Eurípides como Esquilo

Los trágicos hicieron desfilar a hombres y mujeres al borde de precipicios de dolor y desgracia, bajo las tempestades del destino: los dioses los hacían caer y el poeta canta, a pesar de todo, que “nada existe más maravilloso que el ser humano”. Y estos cantos se entonaron sin hablar en necio a los necios para darles gusto, mezclando la poesía más volcánica con el diálogo más vivo y con la reflexión ponderada del coro de la colectividad, en aquella ciudad en la que andaba inventándose la filosofía por las calles como conversación y búsqueda exigente.

A lo largo del siglo, la escena ática se pobló de mujeres intrépidas: junto a Antígona, coherente y solitaria, subieron la airada Clitemnestra y la despechada Deyanira; Hécuba, reina dignísima y mater dolorosa; Casandra penetrante, Ifigenia manipulada y Helena manipuladora; Medea, colaboradora del héroe y luego loba herida que argumenta contra Sócrates, y Fedra, que batalla contra un fiero enemigo interior, su pasión amorosa. La tragedia nos sirve conflictos de amor y poder: lo personal y lo político intrincados en la escena, mujeres en los palacios abiertos a la plaza, en los nudos de la vida de la polis (de los tratados de los historiadores quedarán casi ausentes). Otro motivo refrescante para asomarse de nuevo a aquellos palcos. Y una última lección, ésta para ministros: el Estado costeaba, con dinero público, los certámenes teatrales. Aquellos griegos eran serios. Sabían lo que hacían: cuidaron en vida a sus tres Shakespeares.

Aurora Luque (Almería, 1962) es poeta y traductora de griego. Personal & político es su último libro.

2 mayo 2015 at 9:10 am Deja un comentario

Convidados de Piedra, los rostros de Carthagonova

Cartagena acoge la exposición de varias hermas descubiertas a mitad del siglo XIX y que se encontraban en el Museo Arqueológico de Murcia. Ahora permanecerán en el de Cartagena durante los próximos dos meses

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Fuente: Ayuntamiento de Cartagena      22/04/2015

Convidados de Piedra, los rostros de Carthagonova es la nueva exposición que acoge el Museo Arqueológico de la ciudad y que contiene varias hermas descubiertas en Cartagena a mediados del siglo XIX. Por imperativo de la época fueron trasladas al Museo Provincial Artístico-Histórico de Murcia. Estas piezas de enorme valor permanecerán en Cartagena los próximos dos meses. La concejala de Cultura, Rosario Montero y la directora general de Bienes Culturales, María Comas han asistido a la presentación.

La concejala de Cultura, Rosario Montero ha explicado que las piezas se descubrieron de forma casual durante las obras que se realizaban en varios solares del casco antiguo, y aunque no se ha podido comprobar si al final fueron donadas o cedidas a la Comisión Provincial o intervenidas por ésta, la titularidad concedida es estatal y quedó bajo la tutela y cedido por el organismo que por aquella época era competente para su gestión, el Museo Provincial de Murcia.

Además ha animado a que todo el mundo venga a visitarlas, al igual que la directora general de Bienes Culturales, María Comas que ha explicado que el intercambio de piezas se debe a la política de interrelación que tenemos con los museos municipales, y concretamente con el Museo Arqueológico Municipal de Cartagena, que siempre cede gustosamente piezas de gran importancia de forma temporal.

María Comas ha vuelto a recordar que es la primera vez que estas piezas se exponen en Cartagena, a pesar de haberse descubierto aquí ya que en aquella época no había lugar municipal para acoger las piezas por lo que se llevaron al Museo Provincial de Murcia.

PIEZAS DE TITULARIDAD ESTATAL

Ante la pregunta de los periodistas respecto a traer estas piezas de forma permanente a la ciudad ya que se descubrieron aquí, la directora general de Bienes Culturales, María Comas ha explicado que las piezas son de titularidad estatal por lo que la propuesta de traerlas aquí de forma definitiva debe ser aceptada por el Ministerio de Educación y Cultura.

También ha explicado que las piezas de titularidad autonómica deben ser disfrutadas por toda la Región, y permitir que todo el mundo pueda empaparse del patrimonio de la Región.

23 abril 2015 at 8:50 am Deja un comentario

García Gual glosa la historia de las sirenas en la literatura y el arte

El Museo Nacional de Escultura de Valladolid conmemora el Día de la Mujer con una conferencia del especialista en antigüedad clásica

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Carlos García Gual, durante la conferencia que impartió ayer en el palacio de Villena. / Henar Sastre

Fuente: J. B. |  El Norte de Castilla     10/03/2015

Las sirenas como mito de seducción cuyo significado y forma de ser representadas en la literatura y en el arte se ha transformado a lo largo de los siglos. Sobre las particularidades de esta evolución disertó ayer en el Palacio de Villena de Valladolid Carlos García Gual, Catedrático de Filología griega en la Universidad Complutense de Madrid y especialista en antigüedad clásica y literatura.

Este experto en filosofía griega y mitología impartió ayer una conferencia con la que el Museo Nacional de Escultura se sumó a la celebración del Día Internacional de la Mujer. Con la afirmación de que «las sirenas no eran mujeres trabajadoras» García Gual comenzó su charla arrancando la sonrisa del público, que llenó el aforo del salón de actos, al que no pudieron acceder una decena de personas.

«Las sirenas son un motivo mítico que no solo aparecen en la literatura, sino que han sido ampliamente representadas en la pintura y la escultura, en el mundo griego, en la época medieval y en el romanticismo, periodos en los que su imagen cambia de forma», explicó el Premio Nacional a la obra de un traductor en 2002.

Situó la primera aparición de la figura de las sirenas en la literatura en el canto doce de ‘La Odisea’, el poema épico de Homero que describe la imagen de Ulises amarrado a un mástil para no sucumbir a sus cantos. En este periodo las sirenas aparecen representadas como mitad mujer mitad pájaro. «En el mundo griego las sirenas están ligadas al mundo de la muerte y al mundo de los vivos, a los que intentan atrapar». A través de la proyección de varias imágenes García Gual mostró cómo desde el año 560 antes de Cristo se crearon representaciones de sirenas en pinturas y cerámicas, siempre con formas aladas. «Son imágenes que muestran encanto, hechizo, felicidad y llamada al placer, aún no a la belleza», apuntó, descifrando el significado de un fresco de una casa de Pompeya.

En la época medieval la sirena pasó a representarse con cola de pez, encarnando una lectura simbólica de vanidad. «Aparecen peinándose o mirándose al espejo. Sucedió en esos primeros siglos de la época cristiana. No sabemos por qué dejaron las alas y asumieron la figura acuática. Los padres de la Iglesia se quedaron con parte de los mitos griegos, que convirtieron en alegorías, de modo que pasan a ser símbolo de tentación voluptuosa, del placer».

Andando los siglos, el romanticismo llevó a resaltar la belleza y el gesto melancólico en la figura de las sirenas de la mano de las leyendas alemanas, hasta que en el siglo XIX pasaron a ser contempladas «como mujeres fatales, que atrapan al hombre en sus garras y le llevan al mundo de la destrucción», resumió García Gual, que sustentó parte de su disertación en su libro ‘Sirenas: seducción y peligro’. Por textos de Kafka y Joyce, y poemas de Luis Cernuda y Luis Martínez de Merlo, desfilaron alusiones a sirenas, siempre tentadoras, que llevaron a García Gual a cerrar su intervención con una pregunta: «¿No valdría la pena haberse perdido dejándose llevar por los cantos de una sirena?».

10 marzo 2015 at 8:41 pm Deja un comentario

La «Proserpina» de Rossetti se vende por un récord de 4 millones de euros

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El cuadro «Proserpina» del artista Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) alcanzó 3.274.500 libras (3.908.880 euros) en una subasta de Sotheby’s de Londres, lo que supone un récord para una obra del pintor británico, confirmó hoy a Efe un portavoz de la casa de subastas.

El cuadro, considerado trascendental del movimiento prerrafaelista y una de las imágenes más reconocidas a nivel internacional del siglo XIX, halló comprador en un coleccionista privado del Reino Unido, cuya identidad no fue revelada.

Según Sotheby’s, cinco pujantes internacionales trataron de adquirir el cuadro en la subasta de anoche.

«Proserpina», del que el artista produjo diversas versiones, ocupa un lugar fundamental en su obra y el propio pintor lo consideraba el más hermoso de todos sus trabajos.

La modelo de la obra es Jane Morris, la esposa del artista británico William Morris.

Ese cuadro se puso este martes a la venta por primera vez en más de 40 años y el precio de venta sobrepasó con creces las expectativas de Sotheby’s, que esperaba obtener por el cuadro 1,8 millones de libras (2,1 millones de euros).

La venta se fraguó dentro de una puja dedicada al Arte Británico e Irlandés, por la que la casa de subastas londinense obtuvo un total de 7.178.250 libras (8.571.373 euros).

Rossetti, uno de los cofundadores de los prerrafaelistas y una de las figuras más destacadas de ese grupo de artistas, pintó hasta un total de ocho versiones diferentes de «Proserpina».

La obra, de tema mitológico, muestra una figura de una bella y seductora joven, que se identifica con Proserpina, la dominadora de los infiernos en la Antigüedad clásica.

Fuente: EFE | ABC

Procedencia de la imagen: Sotheby’s

20 noviembre 2013 at 8:16 pm Deja un comentario

Los mosaicos también son víctimas de la guerra en Siria

El museo de Alma Arra sufre serios daños por los bombardeos del régimen de El Asad

El centro acoge una de las mayores colecciones de mosaicos de Oriente Medio

Uno de los mosaicos del museo de Alma Arra

El museo de Alma Arra, en el norte de Siria, famoso por sus mosaicos, habrá evitado el saqueo tan común en tiempos de guerra, pero está empezando a sufrir bombardeos diarios. Y a pesar de qué los paneles informativos que guían a los visitantes a los tesoros del museo están por todos los lados, los turistas han desaparecido.

El imponente edificio del siglo XVII, en el corazón de Maaret al-Numan, una ciudad estratégica en la provincia de Idlib conquistada por los rebeldes la semana pasada, alberga una de las mayores colecciones de mosaicos de Oriente Medio. Pero ahora está empezando a parecerse a una víctima de la lucha feroz entre las tropas sirias y los rebeldes que se ha apoderado del norte de Siria desde hace meses.

Frente a su imponente puerta de hierro blindado se encuentra un vehículo acribillado a balazos, mientras que un humo negro y espeso se levanta de una cercana pila de neumáticos en llamas.

Un guardia joven, adolescente no hace nada, hace guardia luciendo una cinta verde alrededor de su cabeza —un homenaje al profeta Mahoma—.

«Vamos a ganar!», dice el grafiti garabateado en las paredes del museo por la brigada rebelde local, los Mártires de Maaret al-Numan, que ha desplegado a sus combatientes a lo largo de la ciudad.

La entrada al museo cuenta con un enorme felpudo, un mosaico en el suelo que reproduce un retrato de Hafez el Asad, expresidente sirio y padre del actual presidente, Bashar el Asad.

Un grupo de rebeldes se encuentra en el patio, terminando su desayuno. Detrás de ellos hay un hermoso mosaico romano con un lobo que persigue a su presa.

El patio está repleto de mosaicos que muestran antiguas capitales y bazares abarrotados, pero alrededor también hay calcetines sucios que se secan en el sol, así como envases de plástico y colchones utilizados por los combatientes y, antes, por los soldados del régimen.

Algunos vehículos con una ametralladora de 12,7 milímetros aguardan en el patio. Los rebeldes están principalmente instalados en el pasillo de entrada. Siete soldados del régimen capturados en los combates están recluidos en un callejón detrás de una puerta de hierro.

Los rebeldes invadieron Maaret al-Numan el pasado miércoles, en un avance importante en su lucha contra las fuerzas de El Asad, sobre todo después de que también cortaran la carretera que une Damasco con la norteña ciudad de Alepo.

Construido en 1665 por el sultán Murat Jalabi, el edificio, que en principio era un refugio para que los viajeros pasaran la noche, también ha servido a lo largo de los siglos como un anexo a la Gran Mezquita, un bazar, un almacén y ahora un museo.

Sus colecciones proceden de hace siglos y muestran animales, escenas de caza y banquetes – las maravillas del arte que surgió en Ur, en Irak y más tarde se extendió a la antigua Grecia y al Imperio romano, disfrutando de sus días de gloria en el período bizantino.

Alfarería, cerámica y figuras de la era preislámica, de entre los años 3.000 y 2.000 antes de Cristo, se encuentran también entre sus tesoros, de acuerdo con las tablas de información.

Hasta finales de agosto, el museo fue ocupado por soldados del régimen, pero desde que el ejército huyó, los rebeldes han tomado el relevo.

«Estamos aquí para evitar el robo, el saqueo y el contrabando», dice un líder rebelde, que se identifica como Abu Ashem. Los insurgentes acusan al ejército de robar algunos objetos, como monedas antiguas de principios de la era islámica, pero lo más sorprendente de su valiosa colección se mantiene intacto.

Sin embargo, mientras los saqueadores se han mantenido a raya, el museo se enfrenta a una fuerza igualmente destructiva – desde el aire. A principios de octubre, una bomba lanzada por los aviones de guerra de El Asad aterrizó a pocos metros del edificio, rompiendo puertas y ventanas de madera.

La fuerza de la explosión también provocó la caída de algunos objetos de valor, dejando estatuas de diosas romanas en el suelo y piezas de cerámicas de hace más de 2.000 años hechas añicos. Varias esculturas de piedra se rompieron y algunos mosaicos también fueron dañados.

Por ahora los antiguos manuscritos caligráficos guardados en una biblioteca del museo permanecen intactos, así como las lápidas del patio y una colección de puertas de basalto negro del siglo VIII. Pero, con los jets MiG que lanzan bombas sobre las líneas rebeldes a diario, no existe la certeza de que el pasado majestuoso del museo sobrevivirá a la destrucción del presente tumultuoso.

Fuente: Maaret al-Numan AFP | El País              16/10/2012

16 octubre 2012 at 1:06 pm Deja un comentario

El Coliseo repasa la historia de Roma a través de un centenar de obras de arte

Imagen facilitada por la organización de la exposición «Roma Caput Mundi. Una ciudad entre el dominio y la integración», del busto de Caracalla de Roma (212-215 d.C.), una de las más de cien obras maestras que repasan la visión polifacética del mundo romano desde los orígenes de Roma hasta la conquista de Italia y de sus provincias. EFE

El Coliseo, símbolo por excelencia de la capital italiana, y otros monumentos de la Ciudad Eterna albergan desde hoy un centenar de obras de arte que muestran la historia de la expansión política y cultural de la antigua Roma en los tiempos en que ésta fue una gran potencia universal.

La muestra «Roma Caput Mundi. Una ciudad entre el dominio y la integración» reúne más de cien obras maestras que repasan la visión polifacética del mundo romano, desde los orígenes de Roma hasta la conquista de Italia y de sus provincias.

El Coliseo romano, la Curia Julia y el Templo del Divo Romolo, que se levantan en los Foros Romanos, constituyen el escenario de fondo de una muestra que profundiza además en las influencias culturales y religiosas de Roma, así como en las visiones modernas y antiguas de una ciudad que fue durante siglos «caput mundi» (centro del mundo).

«La muestra reconstruye el carácter de los romanos a través del poder y la cultura», ha asegurado durante la presentación de la muestra en el Coliseo romano la superintendente de Bienes Culturales de Roma, Mariarosaria Barbera.

Según el historiador Andrea Giardina, la exposición no oculta los aspectos de la «brutal» dominación romana -el sufrimiento infligido a comunidades enteras, las guerras de conquista o la esclavitud-, pero se completa, al mismo tiempo, con la visión «abierta e integradora» de Roma.

«A diferencia de otros pueblos, concedían fácilmente la ciudadanía, consideraban irrelevante la pureza de la raza y liberaban a los esclavos mediante un procedimiento simple, de manera que se convertían directamente en «casi ciudadanos» y sus hijos nacían como ciudadanos en pleno derecho», ha explicado Giardina.

No obstante, según el profesor, a lo largo de la historia ha prevalecido la imagen violenta de los romanos, por lo que con esta muestra se ha pretendido «democratizar» la visión que se tiene del pasado de Roma.

Estos dos aspectos, la integración y dominación, aparecen reflejados a través de una serie de esculturas, mosaicos, frescos y bronces que se encuentran distribuidos, en función de su temática, a lo largo de las tres sedes con las que cuenta la exposición.

Así pues, el Coliseo, que durante siglos fue escenario de diferentes espectáculos públicos como la lucha de gladiadores, acoge diversos fragmentos de la historia de Roma relacionados con el proceso de romanización, la presencia griega o la vida cotidiana de sus ciudadanos, entre otros asuntos.

La exposición también contempla en el Templo de Romolo una sección dedicada al cine en la que se representa, a través de diferentes películas, la imagen colectiva que durante siglos se ha tenido del pueblo romano.

En este sentido, como señaló el profesor Giardina, los romanos han sido regularmente representados a través del cine como un pueblo «violento, sádico y racista».

En la Curia de Julia, antiguo lugar donde se reunían los senadores, el espectador puede repasar mediante diferentes obras los «exóticos» orígenes de Roma, así como los tiempos en que fue una ciudad etrusca.

RAW VIDEO: Ancient Rome Exhibition Opens at… por NewsLook

Fuente: EFE | Orange

10 octubre 2012 at 5:25 pm Deja un comentario

Arte inspirado en Pompeya, la ciudad enterrada en lava

Una exposición del J. Paul Getty Museum de Los Ángeles recopila obras de arte, del siglo XVIII hasta ahora, basadas en la tragedia de la ciudad descubierta en 1748

Hay obras de Ingres, Piranesi, Duchamp, Dalí, Warhol…

La muestra se detiene en la visión decadente que se popularizó de la ciudad y en el poder plástico de las explosiones volcánicas

El inglés Sebastian Pether pinta en 1824 al Vesuvio en erupción destruyendo una ciudad romana (Sebastian Pether – © 2012 Museum of Fine Arts, Boston)

Hubo entre 10.000 y 25.000 muertos, víctimas que en un segundo estaban cubiertas de lava, congeladas en posturas de horror, tapándose la boca para no ahogarse con el humo, abrazando a sus seres queridos. En el año 79 el Vesuvio sepultó las ciudades romanas de Pompeya y Herculano, cerca de Nápoles. La espesa capa de ceniza volcánica conservó calles, edificios, frescos y hasta las siluetas de los que no pudieron escapar.

El J. Paul Getty Museum de Los Ángeles (EE UU) expone a partir del 12 de septiembre The Last Days of Pompeii: Decadence, Apocalypse, Resurrection (Los últimos días de Pompeya: decadencia, apocalipsis y resurrección), una recopilación que refleja la influencia que la tragedia ha tenido en el arte.

Corrupta, lujuriosa e inmoral
Desde su descubrimiento en 1748, la ciudad ha inspirado a artistas como Piranesi, Fragonard, Ingres, Alma-Tadema, Duchamp, Dalí y Warhol. La muestra recopila pinturas, grabados, esculturas, fotografía y material audiovisual de autores de todas las épocas que en algún momento de su carrera se vieron seducidos por Pompeya.

La erupción del Vesuvio era, según el escritor, un castigo divino. La novela del escritor y político Edward Bulwer-Lytton (1803-1873) Los últimos días de Pompeya (1834) alimentó la imaginación de los pintores del siglo XIX y más tarde inspiró al cine mudo, al sonoro y a la televisión. La obra (que se presentaba como fiel a la realidad histórica) mostraba a la ciudad, justo antes de la erupción del Vesuvio, como corrupta, lujuriosa e inmoral: la destrucción completa era, según Bulwer-Lytton, el castigo divino a sus habitantes.

La naturaleza implacable o una amenaza atómica
El banquete decadente que ilustra el pintor italiano Francesco Netti en 1880 es una prueba de la huella que la versión de Pompeya como lugar de moral relajada e indulgencia erótica ha dejado en el arte.

La versión de Warhol combina la ansiedad moderna con los colores del cómic La exposición se detiene en la perspectiva de ciudad castigada por sus pecados y también en el poder plástico de las imágenes apocalípticas, entre fascinantes y terroríficas, de una erupción volcánica letal. Los pintores del siglo XVIII y XIX celebraban con esas escenas la idea romántica de la naturaleza implacable. Los pintores del siglo XX exploran traumas como la II Guerra Mundial o la amenaza atómica. La versión del Monte Vesuvio de Andy Warhol combina la ansiedad moderna con los colores del cómic.

Las fotografías que el italiano Giorgio Sommer tomó en 1874 documentan la creación de moldes para recuperar los contornos de los cuerpos, grabados en la lava solifidicada.  Una de estas imágenes es la famosa figura de un perro contorsionado, que ha influído en varias obras de arte moderno.

Fuente: HELENA CELDRAN | 20minutos.es     21/08/2012

21 agosto 2012 at 6:11 pm Deja un comentario

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