Posts tagged ‘arte clásico’

Los desnudos de los mosaicos romanos reflejan las relaciones de poder de la época

Una investigación de la UC3M ha analizado la construcción cultural y las implicaciones ideológicas de estas representaciones artísticas

El desnudo femenino en los mosaicos romanos exalta la belleza, la carnalidad y el erotismo, mientras que el del cuerpo masculino refleja determinación, fuerza y poder. Esa es una de las conclusiones de una investigación de la Universidad Carlos III de Madrid (UC3M) que ha analizado la construcción cultural y las implicaciones ideológicas de estas representaciones artísticas, en las que predomina el desnudo de la mujer frente al del varón. Los resultados obtenidos han sido recogidos en un libro.

mosaico-Astigi-Zeus-y-Leda

Este mosaico originario de Astigi que se conserva en el Museo Municipal de Écija documenta uno de los episodios mitológicos de los “Amores de Zeus/Júpiter», quien se metamorfoseó en cisne para unirse sin levantar sospechas a Leda, esposa del rey Tindáreo de Esparta. De aquella unión nacería la bella Helena, personaje crucial en el «casus belli» de la Guerra de Troya. Imagen: Luz Neira. Fuente: UC3M.

En otras investigaciones sobre las representaciones figuradas en los mosaicos romanos se analizaba la vestimenta como un elemento iconográfico fundamental para identificar a los personajes y determinar su estatus, pero este nuevo enfoque se centra en lo contrario: la ausencia de todo tipo de ropajes.

“La construcción de los cuerpos no es natural ni casual, como a veces se nos quiere hacer creer, sino más bien el resultado de relaciones de poder bien establecidas en una sociedad y promovidas por quienes ejercen ese poder”, explica la profesora de Historia Antigua de la UC3M, Luz Neira, en un comunicado de dicha Universidad.

El análisis de las representaciones de desnudo supera el estudio de la obra de arte y tiene implicaciones ideológicas muy significativas para la reconstrucción de la historia de las elites en el Imperio Romano y su grado de influencia en la posteridad. En eso indagan los ensayos de casi una decena de especialistas que reúne el reciente libro Desnudo y cultura: la construcción del cuerpo en los mosaicos romanos, coordinado y editado por la profesora Luz Neira.

“A juzgar por las imágenes del desnudo en los mosaicos, se exalta de modo general la belleza, la carnalidad y el erotismo de la figura femenina, por medio de una sutil combinación de distintas representaciones del busto y el vientre, o la espalda y las nalgas, que reflejan el cuidado del cuerpo y su disponibilidad; mientras el desnudo del cuerpo masculino, igualmente integral pero musculado, muestra determinación, fuerza y poder”, indica la investigadora del Instituto de Cultura y Tecnología de la UC3M.


Más desnudos femeninos que masculinos

El tratamiento profundamente asimétrico de los cuerpos masculino y femenino es evidente y, por tanto, constituye un reflejo de las relaciones de poder, según los investigadores. “Las figuras femeninas predominan en las escenas musivas, aunque también se documentan representaciones de algunos varones”, comenta la profesora. En este sentido, las principales figuras masculinas suelen ser o bien deidades, héroes y seres mitológicos, o bien luchadores y atletas.

En contra de lo que podría presuponerse, estas imágenes no estaban limitadas a las zonas más privadas de la vivienda. De hecho, se documentan en diferentes salas de recepción de la casa y en estancias termales, de titularidad tanto pública como privada, donde el impacto de estas imágenes, en ocasiones cubiertas por las aguas, debió de ser realmente sugerente, comentan los investigadores.

Un ejemplo muy revelador es la representación de Ariadna o de las Nereidas que muestra a una figura femenina desnuda recostada, con un brazo tras la cabeza en una posición y con un gesto que ha sido interpretado como de “disponibilidad hacia el otro”.

“Los desnudos elegidos para decorar pavimentos de estancias domésticas son el resultado de la elección de los individuos más privilegiados de las elites y reflejan su mentalidad, lo que nos lleva a plantearnos que su contemplación suscitaría una serie de sentimientos, respuestas y actitudes”, apunta Luz Neira.

“Tal y como se señala en el libro, la imagen reflejada es un dispositivo de evocación, un emblema de todo aquello que vemos sin ver y, a la vez, de lo que querríamos ver y no vemos. Y es que la imagen reflejada es, valga la redundancia, un reflejo del funcionamiento del cerebro, del subconsciente, un lenguaje de emociones”, concluye.

Fuente: UC3M – Tendencias 21

10 febrero 2014 at 5:46 pm Deja un comentario

La escultura clásica en el Museo del Prado. Dossier para profesores

El Museo del Prado se caracteriza sobre todo por su colección de pintura y es por sus grandes obras maestras en este género por lo que tiene fama mundial. Pero junto a la pinacoteca expone otras colecciones de gran calidad técnica e histórica, como son la colección de dibujos, de artes decorativas o de esculturas.

A la parte de escultura clásica es a la que se dedica este dossier y las siguientes propuestas de utilización pedagógica: http://www.museodelprado.es/fileadmin/Formularios_Educaci__n/Dossier_escultura.pdf

Diadumeno

Diadúmeno. Copia romana de un original en bronce de Policleto. Hacia el 150 d.C. Museo del Prado

12 diciembre 2013 at 2:44 pm Deja un comentario

Rodin se ilumina con la luz de la Antigüedad clásica en París

Una nueva exposición que hará las delicias de los amantes del arte clásico, en esta ocasión en París

El Museo Rodin de París pone al descubierto la relación del escultor francés con el Arte Antiguo en la exposición «Rodin, la lumière de l’Antique» («Rodin, la luz de la Antigüedad»), que se inaugura mañana y podrá visitarse hasta el próximo febrero

Rodin

El artista parisino Auguste Rodin (1840-1917) se inspiró en la Antigüedad clásica grecorromana hasta el punto de declarar que ese periodo, un arte que le acompañó desde sus aprendizajes artísticos hasta el final de sus días, era su «juventud».

En sus primeros tiempos estaba más ligado a la copia, para después impregnarse de sus armónicas líneas de movimiento y hacerlo propio, explicó la comisaria de la exposición y responsable científica de la Colección de Antigüedades de Rodin, Bénédicte Garnier.

«El arte antiguo estará muy presente y tendrá cada vez más influencia al final de su vida, entre 1890 y 1900», señaló a Efe Garnier, según la cual el artista asumió los cánones pero se liberó de su rigidez.

El célebre escultor hallaba en el clasicismo «un sentimiento de felicidad y de alegría de vivir», prosiguió la comisaria, según la cual encontraba esa sensación al trabajar en el taller junto a sus modelos.

La fuente de inspiración que le supusieron los artistas griegos y romanos puede observarse a través de las seis secciones de la exposición, en las que a menudo se presentan esculturas del autor galo junto a otras clásicas a las que se parecen o con las que tuvo alguna relación.

Es el caso de la «Cabeza de Warren», de la cual quedó prendado nada más verla, hasta dedicarle un texto en su obra «Éclairs de pensée», y que se asemeja sorprendentemente a su «Minerva sin casco» (1896).

Otras piezas que atraen las miradas son los montajes ligados al arte de la metamorfosis, en los que inserta figuras esculpidas en vasos clásicos de su colección personal de arte antiguo, creando una síntesis entre unas y otros de modo que se ve surgir una pareja de amantes del interior de una copa diez siglos anterior.

La comisaria define así su peculiar forma de entender la escultura: «Amaba el fragmento. El cuerpo que podía no tener cabeza, brazos o piernas; eso no le molestaba. Al contrario, le encontraba una fuerza y una riqueza, y es algo que se puede ver en su estatua ‘El caminante'»

Pero el genio galo cayó también en alguna contradicción con el estilo propio de esa época, al restaurar o completar algunas piezas de su colección de Arte Antiguo, como la estatua de Harpocrates a la que colocó una cabeza de Eros.

La exhibición se completa con dibujos que aúnan bocetos tan dispares como los relieves del Partenón o de figuras de la catedral de Chartres, fotografías de su colección personal y una pequeña representación de lectura dramatizada.

De este modo, se da voz al propio Rodin a través de sus cartas y textos, interpretados en vivo por Charles Gonzalès que, metido en la piel del escultor, dice encontrarle «extraño, con algo de fuerte y de frágil al mismo tiempo, un hombre muy difícil, un misántropo que fuera de su taller no veía nada».

Gonzalès reencarna a Rodin tras haber sido la voz hace un mes de quien fuera su gran compañera sentimental y también escultora, Camille Claudel, a la que interpretó en el museo en un espectáculo anterior.

Y a través de este médium se oye decir al artista galo: «He hecho una colección de dioses mutilados, en trozos… Su grandeza me es dulce y hay una relación entre ellos y todo lo que he amado. Están animados y yo los animo aún más, los completo fácilmente en mi visión y son mis amigos de los últimos tiempos».

Fuente: EFE – La Vanguardia

Procedencia de la imagen: Marseille-Provence 2013

18 noviembre 2013 at 10:05 pm Deja un comentario

Obras de tema clásico en Google Art Project

En los últimos días he estado actualizando las galerías de Google Art Project con las obras de los nuevos museos que se han incorporado recientemente a esta plataforma.

Renoir-Juicio-de-Paris

Pierre-Auguste Renoir. El Juicio de Paris, c. 1908. The Phillips Collection

Como muchos ya sabréis, Google Art Project es un museo virtual que incorpora en la web más de 30.000 obras de arte en alta resolución, pertenecientes a más de 150 museos de todo el mundo; un recurso excepcional para los amantes del arte, pues nos permite admirar con todo lujo de detalle algunas de las obras más importantes del mundo.

También desde el punto de vista didáctico Google Art Project supone una experiencia educativa interesante: Con esta herramienta podemos recorrer virtualmente los museos adscritos al proyecto (dado que incorpora la tecnología Street View), confeccionar galerías con los temas que nos interesen y examinar las obras con más detalle que si estuviéramos físicamente delante de ellas.

Fue precisamente con la intención de utilizar este recurso en el aula con la que inicié esta labor de recopilación de las obras de temática clásica que atesora, que son muchas. En el campo de la mitología, por ejemplo, nos permite confeccionar un pequeño banco de imágenes del cual poder echar mano en cualquier momento en clase y comparar cómo ha sido plasmado estéticamente un mito por distintos autores o en diferentes épocas.

Dejo los enlaces por si a alguien pudiera interesarle.

Galerías:

10 enero 2013 at 7:53 pm 2 comentarios

Christie’s subastará dos extraordinarios bronces romanos valorados en 5 millones de dólares

Ambas esculturas, datadas entre los siglos I a.C. y I d.C., representan a dos niñas que se estiran para coger una perdiz.

Una pareja de esculturas romanas de bronce, datadas entre los siglos I a.C. y I d.C. y que representan a sendas niñas persiguiendo una perdiz, serán subastadas en Nueva York, donde podrían alcanzar un valor de hasta 5 millones de dólares (4 millones de euros).

«No destacan solo por haber sobrevivido a lo largo de los siglos en condiciones excepcionales, sino por la alta calidad de su factura«, explicó este miércoles el director internacional del departamento de antigüedades de la casa de subastas Christie’s subasta d, Max Bernheimer.

Ambas esculturas saldrán a la venta el próximo 5 de diciembre como parte de la subasta de antigüedades que esta casa neoyorquina realizará ese mes.

Estas dos esculturas son, según los responsables de Christie’s, un ejemplo de la opulencia de Roma en su esfera privada e ilustran el culmen al que llegó la técnica de la fundición del bronce en los albores del periodo Imperial.

Las piezas se adscriben a un género escultórico en bronce o mármol que se hizo muy popular para decorar las villas romanas, y que entronca con una tradición que se remonta al siglo V a.C, extendida en Grecia, consistente en representar a niños pequeños enfrascados en diversas actividades, como jugar con un pájaro o una mascota.

En este caso, las esculturas representan a dos niñas, en posiciones muy similares, que se estiran para coger una perdiz que se halla fuera de su alcance, inclinadas hacia delante, con los brazos abiertos y los dedos separados.

Las estatuas están exquisitamente detalladas, con unas incrustaciones de piedra blanca en los ojos, las pestañas confeccionadas con estilizadas láminas de bronce y el cabello delicadamente rizado.

Asimismo, el plumaje de las perdices, que tienen la cabeza vuelta hacia sus perseguidoras, está recreado con un alto grado de naturalismo.

Fuente: EFE | heraldo.es   02/08/2012

Procedencia de la imagen: artdaily.org

2 agosto 2012 at 9:20 am 4 comentarios

Buscando a Atenea en al Museo de la Acrópolis

Hace algún tiempo que entró en funcionamiento una aplicación del Museo de la Acrópolis llamada «Atenea, la diosa de la Acrópolis» en la dirección www.acropolis-athena.gr. El objetivo de esta aplicación es proporcionar información sobre la diosa de la sabiduría, la cultura y las artes, cuyo nombre, tradición y expresión artística estaban muy extendidos por todo el mundo clásico, sobre todo en Atenas y la Acrópolis, donde era venerada de diferentes formas.

La visita virtual comienza en el Museo de la Acrópolis. Allí el usuario, siguiendo un haz de luz, puede ir en busca de una selección de quince obras de la diosa Atenea expuestas en el Museo. Se trata principalmente de exvotos y ofrendas hechas a la diosa: estatuas, relieves, jarrones… Cada vez que el visitante encuentra una obra en la exposición y clica en ella, puede observarla de cerca, leer una descripción de la misma y aprender todo lo relativo al culto a la diosa.

Este tipo de aplicaciones digitales no puede equipararse ciertamente a lo que supone una visita real a un museo, pero nos permite centrarnos en un tema específico, y poder ver de cerca y con detalle objetos que de otro modo se perderían entre la multitud de obras de un gran museo como este.

Fuente: Arxaiologia.gr | Αναζητώντας τη θεά Αθηνά στο Μουσείο

4 octubre 2011 at 2:49 pm 2 comentarios

123 obras maestras del Prado de tema mitológico

Puede consultarse una revisión actualizada de este artículo en el siguiente ENLACE

A partir del Renacimiento la mitología fue considerada un género cuyo interés radicaba fundamentalmente en el aspecto cultural del mundo antiguo, anterior al cristianismo. Una cultura laica, que no estaba sometida al poder eclesiástico y que enlazaba con el humanismo iniciado en Italia ya en el trecento. Era un mundo que sin olvidar lo religioso quería valorar lo humano, lo corporal, lo terrenal, lo civil y lo placentero, la belleza física y no moral; que buscaba la libertad en el pensamiento y en la expresión, la revalorización del hombre por si mismo y no como obra de Dios. En esta cultura, la forma era importante y la forma había de ser bella, sensible, física.  (Rosa López, Mitología e Historia en las obras maestras del Prado)

Sin lugar a dudas el Museo del Prado es una de las mejores pinacotecas del mundo. Alberga una colección de aproximadamente 7.600 pinturas, 1.000 esculturas, 3.000 grabados y 6.400 dibujos, además de un amplio número de objetos de artes decorativas y documentos históricos. De todas ellas el Museo exhibe en la actualidad en su sede unas 1.300 obras.

El germen de la colección del museo son las colecciones Reales de la monarquía española. Isabel La Católica la inició en el Renacimiento y fue continuada por sus sucesores hasta el siglo pasado. La colección es muy extensa y refleja los gustos de la monarquía española, así como sus reticencias: encontramos así una amplia representación de la pintura flamenca, la italiana del siglo XVI y las escuelas españolas del barroco y posteriores; por contra, las escuelas protestantes (inglesa, holandesa) apenas están presentes.

Como han hecho otros museos importantes, caso del British Museum o el Louvre, también el Prado se ha preocupado en los últimos tiempos en hacer su página web interesante y atractiva al visitante virtual. Es de destacar en este sentido la opción desarrollada recientemente de presentarnos las obras del catálogo en alta resolución. Ello sin descuidar la principal función que como es lógico debe procurar: la de informar.

Por motivos educativos -vuelvo a dar este curso después de varios años Cultura Clásica-, he andado buscando información para clase de algunas obras de mitología y el resultado ha sido este catálogo de más de 100 cuadros del Prado que tienen como tema algún episodio de la mitología grecolatina y que paso a relacionar por si a alguien le puede resultar de utilidad.  Además de poder ver los cuadros con todo lujo de detalles, es interesante observar que algunas de las obras más importantes van acompañadas de una audioguía, con toda la explicación necesaria para su contextualización. Hay que señalar también que muchas de estas obras no se hallan actualmente en exposición, por lo que es la única forma que tenemos de poder acceder a ellas, caso por ejemplo de la mayor parte de obras mitológicas de Luca Giordano, Jacob Jordaens o Quellinus. Son aquellas que en la relación vienen señaladas con un asterisco.

Como puede verse, las obras están agrupadas por escuelas. Los enlaces están repasados y funcionan; ahora bien, y como es lógico, los amables lectores entenderán que este que escribe no está en condiciones de poder garantizar que esto vaya a ser siempre así.

 PINTURA ESPAÑOLA

– Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

– Eugenio Cajés

– José de Ribera

– Francisco de Zurbarán

– Juan Bautista Martínez del Mazo

– Francisco Bayeu y Subías

– Francisco de Goya y Lucientes

– Antonio María Esquivel y Suárez de Urbina

PINTURA ITALIANA:

– Vecellio di Gregorio Tiziano

Paolo Veronese

– Jacopo Bassano

– Annibale Carracci

– Guido Reni

– Massimo Stanzione

– Paolo-Domenico Finoglia

– Francesco Albani

–  Alessandro Varotari Padovanino

– Luca Giordano

– Corrado Guiaquinto

–  Giambattista Tiepolo

 

PINTURA FLAMENCA:

–  Joachim Patinir

– Pedro Pablo Rubens

– Jacob Jordaens

–  Jacob Peter Gowy

– Frans Snyders

–  Theodoor van  Thulden

–  Anton van Dyck

–  Cornelis de Vos

-Jan Erasmus Quellinus

–  Jan Carel van Eyck

– Jan Cossiers

– Frans II Francken

–  Jean Baptiste Borrekens

 

PINTURA HOLANDESA:

– Leonaert Bramer

– Pieter Fris

PINTURA FRANCESA:

– Nicolas Poussin

– Michel-Ange Houasse

– Louis-Michel Van Loo

– Jean Baptiste Marie Pierre

– François Boucher

PINTURA ALEMANA:

– Hans Baldung Grien

17 septiembre 2010 at 9:57 pm 20 comentarios

Petra oculta pinturas helenísticas

Sorprendente y espectacular descubrimiento en Petra, Jordania. En un complejo de cuevas, conservadores británicos han sacado a la luz pinturas murales de estilo helenístico ocultas durante más de 2.000 años bajo capas de hollín y suciedad.

Expertos del Courtauld Institute de Londres han eliminado la suciedad, descubriendo pinturas de una calidad artística «excepcional» y de una belleza superior incluso a algunas de las mejores pinturas romanas de Herculano inspiradas por el arte helenístico.

Prácticamente no quedan hoy en día pinturas helenísticas, sólo fragmentos y obras perdidas de las que se conoce poco acerca de sus colores y composición, por lo que el hallazgo de estas pinturas en Jordania es aún más significativo. Fueron creadas por los nabateos, que comerciaron con los griegos, romanos y los imperios de Egipto y cuyo dominio se extendía desde Damasco hasta el Mar Rojo, y desde el Sinaí hasta el desierto de Arabia.

Tal es la complejidad de estas pinturas naturalistas que pueden ser identificadas especies actuales de flores, pájaros e insectos. Fueron realizadas probablemente en el siglo I, pero pueden ser incluso anteriores.

A instancias del Petra National Trust (PNT), los expertos en conservación Stephen Rickerby y Lisa Shekede han sacado a la luz y restaurado las pinturas. El trabajo ha durado tres años, y se completó la semana pasada. 

Han sido identificadas tres tipos de vid diferentes, así como hiedra y enredadera – todo ello asociado con Dioniso, el dios griego del vino, así como varias especies de aves de gran colorido. En las escenas aparecen figuras a modo de querubines, un niño alado que toca una flauta sentado en una especie de enredadera y otros que cogen frutas y rivalizan con unas aves que picotean las uvas. Las pinturas son excepcionales en su sofisticación, la paleta de colores es amplia y los materiales utilizados de lujo, incluyendo pan de oro.

Petra es uno de los sitios arqueológicos más famosos del mundo. Aquí se combinan las antiguas tradiciones orientales con la arquitectura helenística, con edificios esculpidos en la piedra arenisca de color rojo. Patrimonio de la Humanidad de la Unesco desde 1985, fue la capital de los nabateos y un floreciente centro económico y religioso desde el siglo III a. C. hasta el siglo I d.C. Su emplazamiento, en las montañas de Shera , fue una importante encrucijada entre Arabia, Egipto y la Siria fenicia .

Las pinturas no están en el enclave principal, sino en el menos conocido cañón de Siq al- Barid en Beida – apodado «La Pequeña Petra», a unos 5 km de distancia. Están ubicadas en el biclinium (comedor) del recinto y las pinturas más destacadas cubren la bóveda y las paredes de la estancia.

Fuente de la información y de la imagen: Guardian.co

Imagen: Detalle de niño alado que toca la flauta, antes y después de la limpieza . Courtauld Institute

23 agosto 2010 at 12:39 pm Deja un comentario

Incautado un Alejandro Magno que podría ser obra de Lisipo

Esta estatua de bronce del siglo IV a.C. representa a Alejandro Magno y podría ser uno de los descubrimientos más importantes de los últimos años.

La escultura, de unos 60 cm. de altura, podría ser la única obra conservada a día de hoy de Lisipo, el escultor personal del general macedonio. Hasta ahora solo han sobrevivido  de este escultor copias posteriores de epoca romana.

Fue incautada el pasado viernes, junto con otros bienes de importante valor arqueológico, a una banda de traficantes de obras de arte a la que la policía de Tesalónica seguía el rastro desde hacía tiempo y se encuentra desde ayer en los laboratorios del Museo Arqueológico de Tesalónica, a la espera de ser puesta bajo el microscopio de los arqueólogos.

Junto con la escultura de Alejandro Magno, la policía se ha incautado de otros hallazgos arqueológicos importantes, incluida una cabeza de bronce de un joven de época romana, un busto de piedra que representa una mujer, dos monedas de cobre, once monedas de oro, una moneda de plata y una cabeza de un joven de bronce.

Los arqueólogos que examinaron los bienes incautados los han calificado de obras de valor arqueológico, histórico y comercial único, en especial la estatua y la cabeza . En este sentido es revelador el alto precio por el que se estaba negociando la venta de la escultura, nada menos que 7 millones de dólares.

Lisipo fue muy un escultor muy prolífico. Plinio el  Viejo nos habla de una producción estimada en cerca de 1.500 estatuas, la mayor parte de ellas en bronce.  De esta inmensa labor, no ha llegado hasta nuestros días ningún original, sino sólo copias romanas.

En años recientes se han recuperado algunas estatuas en mármol y bronce, que posiblemente se declaren originales después de los análisis apropiados. Estas estatuas se han recuperado todas en localidades marítimas, aún en óptimo estado de conservación. Existe al respecto un importante y encendido debate entre los expertos. La mayoría de los estudiosos se inclinan por atribuir la paternidad de estas obras a Lisipo.

Fuente de la información y de la imagen: ethnos.gr

1 marzo 2010 at 10:56 pm 1 comentario

Exposición en Valencia de las Tanagras del Louvre

El Centro Cultural Bancaja de Valencia acogerá a finales de marzo la exposición de Las Tanagras- más de 200 figuras de terracota halladas en la antigua ciudad de Tanagra, en Beocia (Grecia)-, procedentes del departamento de antigüedades griegas, etruscas y romanas del Museo del Louvre.

En la exposición se mostrarán piezas que jamás habían salido del Louvre, y otras que, por ser de reciente adquisición, ni siquiera han podido estar expuestas en el museo francés, según el acuerdo que la entidad valenciana y la pinacoteca gala suscribieron el pasado año. 

En la muestra que acogerá el centro de la plaza de Tetuán se exhibirán por primera vez las Tanagras después de los trabajos de restauración de los últimos meses, es decir, en su mejor estado, para el público que pase por las salas del Centro Cultural.

Las Tanagras, figuras femeninas de gran belleza y equilibrio, deben su nombre al lugar en el que fueron halladas a mediados del S. XIX. El hallazgo de cientos de figuritas en la necrópolis de Tanagra llevó a pensar que era una producción originaria de esa ciudad. En realidad la producción de mujercitas de terracota surgió en Atenas durante el siglo IV a.C., difundiéndose rápidamente. Las figuras exportadas fueron luego imitadas en Tanagra donde se fabricaron los mejores ejemplares.

La región de Beocia fue productora de cerámica manual hasta el S VII a.C., cuando comenzó a emplearse moldería. La mayor parte de estas figuritas están datadas en el siglo III a.C.

Se encuentran realizadas en terracota con arcilla de contenido ferroso y sin vidriado de superficie. Se producían con moldes y eran ensambladas dejándose en su parte posterior un hueco utilizado por el artesano para soldar las piezas con barbotina. La espalda de las tanagras es poco detallista, lo que lleva a pensar que posiblemente se colocaran en hornacinas en las cuales solo la visión frontal tenía importancia. Luego de terminar los detalles que las individualizan, eran sometidas a cochura. El tiempo ha deslucido el color aplicado después del horneado, ya que las tanagras eran policromas como toda la escultura griega.

Algunas conservan parcialmente la coloración que se aplicaba sobre una capa de base blanca. La Afrodita del Hermitage de San Petersburgo (en la imagen) es una de ellas. Resulta llamativa la vivacidad de los colores que hoy calificaríamos casi de estridentes. El empleo del color rosa en las vestimentas corresponde al vestuario de las mujeres de la ciudad de Tanagra.

Su aspecto casual y distendido produce una sensación de instantánea fotográfica, como imágenes atrapadas en una fracción de tiempo, en la interrupción de un gesto o un movimiento. La estética de estas figuras es realista, con cuerpos alargados y cabezas pequeñas. Sentadas, de pie, jugando a algún juego, la vivacidad de sus poses, el detalle de sus pequeños rostros y sus peinados, la displicencia del gesto, las apartan del resto de la escultura del período.

Se encuentran vestidas a la usanza posterior al siglo VI a.C., cuando el peplo dórico dio dio paso al chitón y el himatión jónicos. El drapeado de las telas se ajusta a los cuerpos de las tanagras sensualmente. Llevan en sus manos objetos diversos y también sombreros a la usanza del momento.

Fuentes de la información:

 lasprovincias.es

elbarcoceltibero.mundoforo.com

Procedencia de la imagen:

 hermitagemuseum.org

27 febrero 2010 at 1:16 pm 1 comentario

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