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La violencia de género en los grandes museos

Raptos, violaciones, humillaciones y toda clase de vejaciones hacia las mujeres están ampliamente representadas en cuadros, dibujos y esculturas

Susana y los Viejos’, de Artemisia Gentileschi. WIKIMEDIA

Fuente: CONCHA MAYORDOMO  |  EL PAÍS
9 de mayo de 2017

Visitar los grandes museos europeos, aquellos que recogen las obras que la historia del arte ha calificado como maestras, no es siempre una experiencia gratificante, independientemente de la perfección técnica, el tratamiento del color, el equilibrio en la composición, el ritmo, la luz, la atmósfera… A veces el tema, especialmente el de las escenas bíblicas o mitológicas, puede dejar sin aliento; raptos, violaciones, humillaciones y toda clase de vejaciones hacia las mujeres están ampliamente representadas en cuadros, dibujos y esculturas, y obedecen a una ideología visual en la que la situación social de la mujer queda explícitamente agraviada.

La obra de Pedro Pablo Rubens, Rapto de las hijas de Leucipo, que podemos contemplar en la Pinacoteca Antigua de Múnich, nos sitúa ante una de las escenas más violentas de todo el período barroco. En ella se desarrolla una brutal agresión. El secuestro de dos bellas jóvenes de la época, que desnudas, son atrapadas entre unos caballos encabritados por unos seres descomunales, con la evidente idea —así su título lo indica— de ser arrancadas de su entorno natural y forzadas hacia una vida desconocida. La mitología nos cuenta que ese rapto forma parte de una historia romántica, ya que incluye un pequeño cupido, pero a nadie se le escapa la desesperada resistencia de las dos mujeres y la ferocidad que desprende toda la composición.

‘El rapto de las hijas de Leucipo’, de Rubens. WIKIMEDIA

En el Museo del Prado también podemos asistir a este tipo de escenas violentas pintadas con gran maestría por Rubens, como El rapto de Hipodamía, en este caso realizado con la colaboración de su taller. Ilustra la escena del secuestro de una de las mujeres más hermosas de su generación el día de su boda por parte del centauro Éurito. Hipodamía aparece representada semidesnuda, con el pecho al aire y los ropajes desgarrados, probablemente debido a la resistencia que opuso ante la fuerza de su secuestrador y que Ovidio lo describe de la siguiente forma en Las Metamorfosis:

‘El rapto de Himodamía’, de Rubens. MUSEO NACIONAL DEL PRADO

“Porque a ti, el más bestial de los bestiales, Éurito, te ardía el corazón tanto por el vino como por la visión de la novia, y reinaba una embriaguez que duplicaba la lujuria”.

Al parecer Rubens se especializó en la escenificación de raptos: Rapto de Proserpina y la copia anónima de su obra Rapto de Deyanira, todos ellos pertenecientes a las colecciones del Museo del Prado.

La escultura tampoco fue ajena al tema, una de las obras más celebradas de esta disciplina artística es El rapto de las Sabinas de Juan de Bolonia, actualmente en la Galería de la Academia de Florencia. Algunas opiniones quieren ver en el grupo escultórico el carácter romántico de un ballet, pero una mujer extremadamente levantada mientras lucha por su libertad, agitando los brazos y gritando de desesperación para poder desprenderse de su secuestrador no convence como idea de consentimiento.

‘El rapto de Proserpina’, de Rubens. MUSEO NACIONAL DEL PRADO

El grupo escultórico fue expuesto en el exterior, concretamente en la Piazza della Signoria Loggia dei Lanzi de Florencia, donde fue agredido por unos vándalos, causándole graves daños. Pretendían colocar una botella en la mano de la secuestrada. Parece lógico pensar que el hecho de mostrar públicamente una vejación de derechos puede incitar a que esa actuación pueda ser compartida por otros que hacen alarde de los mismos principios.

“Cuando el objeto erótico es una mujer, la incitación al rapto se potencia porque también, en cierto modo, puso Dios en el mundo a la mujer para ser arrebatada, no digo que deba ser así, pero ¿qué le vamos a hacer si Dios lo ha arreglado de esa manera?”, se preguntaba Ortega y Gasset en Estudios sobre el amor (Editorial Plenitud, 1957).

Entre los grabados de la serie ‘Los Desastres de la Guerra’, el aguafuerte titulado ‘No quieren’, de Goya. WIKIMEDIA

En la producción de Francisco de Goya encontramos otras escenas que contienen violencia explícita contra las mujeres. Entre los grabados de la serie Los Desastres de la Guerra, el aguafuerte titulado No quieren representa a una mujer aparentemente joven que se defiende del acoso de un soldado francés mientras una anciana, cuchillo en mano, trata de protegerla. Con esta obra Goya parece ser sensible a la dignidad femenina, sorprendentemente en la serie Los Caprichos, junto a la estampa Que se la llevaron, incluye un comentario manuscrito en el que culpabiliza a la mujer de la agresión: “La mujer que no sabe guardar es del primero que la pilla y cuando no tiene remedio se admiran de que se la llevaron”.

Susana y los Viejos

La Historia de Susana y los Viejos es un breve texto independiente asociado al Libro de Daniel del Antiguo Testamento que ha sido ilustrado ampliamente: Rembrandt, Rubens, Artemisia Gentileschi, Lorenzo Lotto, Albrecht Altdorfer, Anthonis van Dyck, Tintoretto, Veronese, Guercino, Domenichino, Francesco Hayez, Franz von Stuck, Lovis Corinth, Bartolomeo Altomonte, Lukas Vorstermann o Johann Spillenberger plasmaron en sus lienzos el esplendor de la belleza desnuda de la joven.

Arquián y Sedequía eran dos ancianos jueces que acudían asiduamente a casa del rico Joaquín, esposo de Susana, para dirimir algunos pleitos. Un día de mucho calor Susana quiso bañarse en una de las fuentes de la casa sin percatarse de que los ancianos, que desde hacía tiempo la deseaban con pasión, se habían escondido para observarla. Trataron después de forzar su voluntad para ser sometida sexualmente, al resistirse ella, la calumniaron acusándola de adulterio. El juez Daniel demostró su inocencia y la sentencia a muerte que pendía sobre Susana acabó recayendo sobre los ancianos.

‘Susana y los Viejos’, de Tintoretto. GOOGLE ART PROJECT

En Susana y los Viejos de Tintoretto, que se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, el pintor se esmeran en presentar a una mujer en su espacio íntimo, cosificada y expuesta para su contemplación, no sólo para los rijosos que aparecen en la escena, también para todo aquel que contemple el cuadro. Susana es una mujer voluptuosa que se acicala en su baño mientras se contempla en un espejo sólo cubierta por una completa colección de joyas. Parece demostrar con ello, la magnífica fortuna del marido, y que fueron sus encantos los que le logró conquistar. Mantiene además, para mayor incitación, las piernas semiabiertas.

Por su parte Rubens, en la obra del mismo título, expuesta en Museo de la Real Academia de San Fernando de Madrid, pone especial énfasis en mostrar la carnalidad del cuerpo de la joven que es destapado por los viejos, uno de ellos con actitud decididamente amenazante.

‘El rapto de las Sabinas’, de Juan de Bolonia. RICARDO ANDRÉ / WIKIMEDIA

Muy al contrario, la versión que sobre el episodio realiza la italiana Artemisia Gentileschi, que se conserva en el Castillo de Weissenstein de Pommersfelden (Alemania) presenta a la joven Susana avergonzada, huidiza y asqueada del acoso de las dos figuras grotescas que traman sus estrategias.

En la mitología el rapto era un acto razonablemente legitimado, cuyas víctimas propiciatorias solían ser jóvenes vírgenes, o bien mujeres honestas que los pintores de todas las épocas —incluido Pablo Picasso— han representado de manera misógina para uso y disfrute no sólo de los cuerpos esteriotipados por los gustos de la época, sino también como demostración de la fuerza y la razón del género masculino frente al definido como débil. Estos hechos seguramente continuarían con una violación. Raptos, vulneración de la intimidad o calumnias pueden ser vistas en otras muchas obras maestras que componen la historia del arte con mayúsculas estetizando la violencia de género, por ello es importante que la belleza que encierran no desvíen la atención de que somos testigos también de la representación de delitos infames.

 

9 mayo 2017 at 6:57 pm Deja un comentario

El Prado ofrece recorridos en latín por la obra mitológica de Rubens

Tendrán lugar, de forma gratuita, los viernes 5, 19 y 26 de este mes a las 16.30 horas

«El juicio de Paris», de Rubens – MUSEO DEL PRADO

Fuente: ABC
3 de mayo de 2017

Durante este mes de mayo, el Museo del Prado ofrece recorridos didácticos impartidos en latín para conocer las principales obras mitológicas de Rubens, entre las que figuran «El juicio de Paris», «Las tres Gracias», «El banquete de Tereo» y «Aquiles descubierto por Ulises y Diómedes». Esta iniciativa propone aunar la cultura artística y la lengua fundacional de la cultura europea, que sirvió de vehículo de comunicación durante siglos. Las visitas serán conducidas por latinistas que comentarán cuadros de temática grecorromana.

Estos recorridos, que se celebrarán los viernes 5, 19 y 26 de mayo a las 16.30 horas, son de carácter gratuito para los visitantes del museo que se inscriban en el punto de encuentro de Educación 15 minutos antes del comienzo de la actividad, que está dirigida a un grupo máximo de 20 personas.

El primer viernes las explicaciones serán impartidas por Jorge Tárrega Garrido, presidente del Collegium Latinitatis, y Esteban Bérchez Castaño, vicepresidente del Collegium Latinitatis, asociación cultural que tiene el objetivo de promover y divulgar el uso del latín como lengua vehicular de la enorme herencia legada por la Antigüedad.

La segunda sesión estará a cargo Pablo Ortiz Sierra y Carles García Olmos, miembros del Collegium Latinitatis, al igual que Luisa Blecua del Álamo y David García Pérez, quienes guiarán el último de los itinerarios programados.

 

3 mayo 2017 at 6:37 pm Deja un comentario

Inaugurada la Sala de los Horacios y Curiacios de los Museos Capitolinos

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Fuente: Corriere della Sera
20 de febrero de 2017

Desde hoy, la Sala de los Horacios y Curiacios de los Museos Capitolinos vuelve a su máximo esplendor para ser nuevamente admirada en su renovado aspecto. Un proyecto de restauración, que ha sido posible gracias al mecenazgo de Alisher Usmanov -que ha contribuido destinando a este proyecto la cantidad de 300 mil euros-, permite devolver así la belleza del ciclo pictórico que se había visto afectado de manera importante por los efectos de las filtraciones de agua debidas a la lluvia.

En la inauguración de la Sala a la conclusión de los trabajos de restauración han estado presentes la alcaldesa de Roma Virginia Raggi, el teniente de alcalde Luca Bergamo, el superintendente para los Bienes Culturales de Roma Claudio Parisi Presicce y el presidente de la Federación Italiana de Esgrima, Giorgio Scarso.

“Hoy restituimos a los romanos y al mundo entero una de las más bellas salas de los Museos Capitolinos después de los importantes trabajos de restauración – ha señalado la alcaldesa Raggi. La Sala de los Horacios y Curiacios vuelve a su antiguo esplendor justamente cuando falta poco más de un mes para el 60 aniversario del Tratado de Roma, cuya celebración estamos preparando. Un agradecimiento especial a Alisher Usmanov, que ha contribuido a la restauración. Un ejemplo de pasión por el arte y de amor por nuestra ciudad “. “El mecenazgo es un instrumento esencial para mantener en las mejores condiciones nuestro excepcional patrimonio histórico-arqueológico. Espero que a estas contribuciones sigan muchas otras que nos ayuden a mantener viva y a restituir al mundo la gran belleza de esta ciudad”, ha concluido la alcaldesa.

La restauración se ha centrado, en particular, en la parte superior de las paredes interiores donde se encuentran los frescos de Giuseppe Cesari, llamado el Cavalier d’Arpino, y el artesonado de madera, construido en 1884 en sustitución del del siglo XVI. El techo presentaba una decoloración general y diversas desconexiones: faltaban muchos motivos ornamentales y había un deterioro generalizado por el ataque de insectos xilófagos. El 9 de mayo pasado se produjo la entrega de la Sala a la empresa adjudicataria de la licitación, y comenzaron los trabajos en una modalidad “open”, como en el caso de la Fontana di Trevi: para estas obras, de hecho, la Superintendencia de Roma había previsto también una pasarela elevada dentro de la sala para dar a los visitantes la oportunidad de ver los trabajos de restauración.

 

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21 febrero 2017 at 12:30 am Deja un comentario

Se abre en Pompeya la Casa de los Castos Amantes, en homenaje a los enamorados

Después de doce años de restauración, se abre la Casa de los Vettii, una de las más famosas y ricas, que fascinó a Picasso

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El fresco que da nombre a la Domus de los Castos Amantes – ABC

Fuente: ÁNGEL GÓMEZ FUENTES  |  ABC
6 de febrero de 2017

Los últimos frescos que se muestras al público en Pompeya son de rara belleza. Por un lado está la Casa de los Castos Amantes, el lugar más emblemático de la antigua ciudad romana. Por otro, la Casa de los Vettii, una de las más famosas y más ricas de Pompeya.

Excavada en el 1987, visitable con reserva solo durante ocho meses en el 2010, nunca fue abierta al público la domus de los Castos Amantes, así llamada por un fresco sobre la pared de un comedor donde aparecen un hombre y una mujer que se besan recostados sobre un lecho o triclinio durante un banquete.

Era una casa especialmente grande, pues contaba con numerosas habitaciones y una panadería industrial, y en toda la domus se ven reflejados la furia con la que la erupción del Vesubio canceló la vida en el 79 d. C. Aquí se encontraron los esqueletos de una mula y seis burros que se utilizaban para hacer girar las cuatro piedras de molino para producir harina en la panadería, además de distribuir el pan dentro y fuera de la ciudad.

La Domus será reconstruida totalmente con 10 millones de euros, dentro del plan denominado Gran Proyecto Pompeya, que la Unión Europea financió con un centenar de millones. Pero antes de iniciar los trabajos, el superintendente de Pompeya, Massimo Osanna, ha querido ofrecer a los visitantes una última ocasión para admirar la Domus: En homenaje a los enamorados se podrá entrar en grupos de 20 personas hasta el 14, día de San Valentín. Después, la cita será en el 2020, cuando se terminen los trabajos en la Domus y resplandezcan totalmente sus frescos.

La joya de Pompeya que sedujo a Picasso

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Imagen de la Casa de los Vettii – ABC

Una de las joyas de Pompeya, por su opulencia y grandiosidad, ha abierto después de doce años de restauración: La Casa de los Vettii. Para dar solemnidad a la reapertura asistió el primer ministro italiano, Paolo Gentiloni, destacando que Pompeya se ha convertido hoy en el «orgullo de los italianos». En un año de oro para los lugares de cultura italianos, Pompeya es detrás del Coliseo el segundo monumento más visitado de Italia: 3.209.089 ingresos en el 2016, un 7,5% más que en el año anterior, todo un récord de visitantes y de ingresos: 23,5 millones de euros.

Números destinados a crecer extraordinariamente en este año con la exposición «Picasso-Parade. Nápoles 1917», abierta desde el 10 de abril al 10 de julio para conmemorar los cien años del viaje en Italia de Pablo Picasso, quien visitó junto a Jean Cocteau las excavaciones. La fascinación que le causó el área arqueológica le llevó a pintar su célebre cuadro «Dos mujeres que corren en la playa» (1922), una pintura cargada de sensualidad, inspirada en algunas figuras clásicas de Pompeya. El pintor malagueño encontró también inspiración para sus diseños en el ballet ruso “Parade”.

Picasso fue seducido por la Villa de los Misterios y la Domus de los Vetii, ambas por sus frescos extraordinarios. Descubrió una pintura libre, poco esquemática, ligada al sentido de la decoración, del placer de vivir.

Priapo, restaurado y nuevamente visible

Durante decenios, un fresco de la Casa de los Vettii estuvo cubierto, porque era una imagen «prohibida» a menores, con una madera que se retiraba solo tras una justificada petición oficial, o bien con una propina al guardia: era el Priapo, dios de grueso falo, hoy nuevamente visible tras la restauración.

Se encuentra en el vestíbulo de la casa y es una de las figuras más fotografiadas y reproducidas de Pompeya: El dios Priapo, bajo cuya protección se había puesto el hogar, está representado en el momento de pesar sobre el plato de una balanza su enorme falo teniendo como contrapeso en el otro plato una bolsa de dinero. El dios representaba la prosperidad económica de los propietarios, los hermanos Aulus Vettius Restitutus y Conviva, exesclavos enriquecidos gracias al comercio. Su relación con Priapo se mostrada también de forma explícita en una estatua de mármol que originalmente decoraba la fuente del jardín y hoy está en el atrio. Una leyenda indicaba que el Priapo de los Vettii donaba fertilidad al tocar su falo.

En uno de los muros del atrio se encuentra una de las dos enormes cajas fuertes en las que los hermanos Vettii, comerciantes de vino al por mayor, tenían sus monedas romanas (sesterzi) y joyas.

Especialmente refinados son los frescos del triclinio (comedor) que representan escenas mitológicas. Los frescos fueron pintados en esta sala que a propósito no se iluminó demasiado para que la luz no dañara las pinturas, como si se tratara de una cuidada pinacoteca.

Esta resurrección de la ciudad romana destruida por Vesubio es posible gracias al citado Gran Proyecto Pompeya, un ambicioso plan tiene como objetivo preservar un área arqueológica de 44 hectáreas excavadas y de otras 22 pendientes de excavar: Se incluyen 1.500 edificios, 17.000 metros cuadrados de frescos y pinturas, además de 12.000 metros cuadrados de pavimentos.

 

6 febrero 2017 at 8:56 am Deja un comentario

Reabre la Casa de los Vettii de Pompeya

Conserva frescos mitológicos y eróticos. Gentiloni presente

Inauguración en Pompeya con la presencia del premier italiano, Paolo Gentiloni (foto: ANSA)

Fuente: ANSA Latina

POMPEYA (NÁPOLES), 23 DIC – La Casa de los Vettii de la antigua ciudad de Pompeya, célebre por sus representaciones eróticas, finalmente podrá ser visitada por los turistas. Se había cerrado hace doce años, pero las intervenciones para su restauración y consolidación hacen posible que pronto se puedan recorrer los ambientes de ingreso, el atrio de los cubículos circundantes y el triclinio (comedor), con la espléndida serie de frescos mitológicos.
Pompeya es uno de esos sitios que “te hacen sentir en casa, y bien, en contacto con la propia civilización”, dijo hoy el premier italiano, Paolo Gentiloni, quien estuvo presente en el sitio arqueológico para el gran anuncio. El Domo de los Vetti se encuentra entre los más ricos y famosos de Pompeya, bajo la protección de Príapo, representado a la derecha de la puerta y que ahora, gracias a la restauración, se lo ve revitalizado con sus colores llamativos: el amarillo de la túnica y el cuerpo marrón del dios que representa la prosperidad económica de los propietarios, los hermanos Aulus Vettius Restitutus y Conviva, libertos enriquecidos a través del comercio. Los ambientes más sorprendentes de la villa, sin embargo, todavía permanecen cerrados para los turistas. El director de la Superintendencia Arqueológica de Pompeya, Massimo Osanna, prometió ante la presencia de Gentiloni y del ministro para los Bienes Culturales, Dario Franceschini, que en breve se pondrá en marcha una restauración específica de esos recintos. Entre ellos, se encuentra la habitación ubicada junto a la cocina que posee un lararium -habitáculo donde residían los dioses tutelares de la casa – pintado en una de sus paredes.

Allí, se podrán admirar también pinturas eróticas. Pero antes deben ser restauradas cuidadosamente. Gentiloni dijo hoy que “se puede hacer mucho más” para valorizar la zona.

“Pompeya es una ciudad maravillosa, bien conservada, con la presencia de muchos visitantes y una atmósfera que nos hace sentir orgullosos y el privilegio de de ser italianos. Pero es difícil no decir que podemos hacer mucho más para valorizar las potencialidades de este territorio. Deberíamos aprovechar mejor nuestros recursos”, sostuvo. Por ahora, los visitantes deberán conformarse con recorrer la pinacoteca, con frescos del triclinio que representan escenas mitológicas. Según los expertos, los cuadros fueron pintados en esta casa que, intencionalmente, no es muy iluminada para evitar que la luz desgastara los colores. Las escenas representan a Ariadna abandonada por Teseo en la isla de Naxos; a Dédalo que dona a Pasifae la vaca de madera, de la que nacerá el Minotauro y a Mercurio, enviado de Zeus, que se une Ixión en una rueda de fuego que gira sin parar en el cielo, para castigarlo por haber codiciado a Juno.

La mejora de la iluminación -de modo adecuado-; del servicio de wi-fi y la puesta en valor de la Región VI de la ciudad están entre las modificaciones que vendrán. La ruta hacia la restauración de todos los espacios es larga, pero es importante respetar los tiempos para cada tarea, tal como subrayó Franceschini.

“En Pompeya se están respetando todos los tiempos, con grandes resultados. Hoy inauguramos un nuevo Domo y estamos trabajando para que haya wi-fi e iluminación nocturna a fin de prolongar el horario de las visitas”, detalló.
“Basta caminar entre las calles de Pompeya para apreciar el gran cambio que se hizo. Es el fruto de un trabajo en muchos casos silencioso”, agregó el responsable de Cultura.

La idea del premier italiano es la de una Pompeya accesible casi todos los días, con un mejor sistema de alojamiento para incrementar el turismo en el sur del país e incentivarlo para que sea el motor de la recuperación.

Fotogalería: Le meraviglie della Casa dei Vettii | Riccardo Siano – La Repubblica

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Casa de los Vettii, fresco con peces y crustáceos

 

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Casa de los Vettii, un cuadro aún en ejecución en el momento de la erupción del año 79 d.C.

 

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Una de las dos cajas fuertes de la Casa de los Vettii

 

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El atrio

 

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El triclinio

 

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Casa de los Vettii, fresco con Dédalo que da a Pasífae la vaca de madera

 

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Casa de los Vettii, Ariadna abandonada por Teseo en la isla de Naxos

 

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Casa de los Vettii, Mercurio ata a Ixión en la rueda de fuego

 

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El triclinio recién restaurado

 

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Estatua itifálica

 

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Base de la segunda caja fuerte

 

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Fresco de Príapo en el vestíbulo de entrada

 

 

 

24 diciembre 2016 at 11:21 am Deja un comentario

Italia celebra la recuperación de las obras que robó Napoleón

El emperador tuvo un sueño: un museo universal en París con el mejor arte del mundo. El Quirinal de Roma evoca en una gran exposición aquel saqueo

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«Llanto por Cristo muerto», de Correggio: el sobrecogedor lienzo de Correggio se halla en la colección de la Galería Nacional de Parma – ABC

Fuente: ÁNGEL GÓMEZ FUENTES  |  ABC
20 de diciembre de 2016

Roma celebra el fin del expolio napoleónico con una extraordinaria exposición que reúne parte de las obras maestras robadas en Italia por orden de Napoleón Bonaparte. Italia logró recuperarlas solo en parte, pero desgraciadamente no lo supo hacer igual España, que también sufrió un expolio de su patrimonio artístico durante la Guerra de la Independencia contra Napoleón. De Roma partieron obras maestras del arte universal, monumentales y delicadísimas, como el grupo escultórico del Laocoonte y el Apolo Belvedere.

Los franceses se llevaron lo mejor del arte italiano desde el Renacimiento, con Rafael (robaron casi toda su producción), hasta obras maestras de bien entrado el siglo XVII con los hermanos Carracci, Guercino, Guido Reni y Correggio, pasando por la gran escuela veneciana de Veronés, Tiziano y Tintoretto. La exposición, que bien vale un viaje a Roma, estará abierta hasta el 12 de marzo en las Escuderías del Quirinal. Se titula «El Museo Universal. Del sueño de Napoleón a Canova». La inclusión del gran escultor Antonio Canova en el título de la muestra se justifica porque el artista y brillante diplomático hizo una extraordinaria labor en la recuperación de parte de las obras.

«Vinieron los franceses a traernos lo que llamaban libertad y nos robaron monumentos preciosos y posesiones». Con esta frase Cossimo del Fante, oficial italiano al servicio de Napoleón, tras sumarse a los ideales de la Revolución Francesa –combatió incluso como capitán en España–, resumió lo que sucedió en Italia durante las campañas napoleónicas.

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«Retrato del Papa León X», de Rafael – ABC

Napoleón Bonaparte tuvo el sueño de lograr que París se hiciera con un museo universal que albergara lo mejor que había producido el mundo durante siglos. El Louvre fue rebautizado como Museo Napoleón, un proyecto que pretendía ser la apoteosis cultural del nuevo orden imperial napoleónico, un símbolo estético de sus conquistas territoriales. En consecuencia, no podía limitarse a tener las colecciones de la Corona y las de los aristócratas en fuga tras la Revolución Francesa, sino que también era necesario enriquecerlo con el botín de las guerras y campañas napoleónicas.

Napoleón Bonaparte, al mando de la primera campaña en Italia de 1796, ordenó un expolio sin precedentes. Se constituyó una comisión de expertos y estudiosos, dirigida por el artista, escritor, diplomático y coleccionista de arte Dominique Vivant Denon. Entre 1796 y 1814 hicieron una impresionante razia en museos, colecciones públicas y privadas, iglesias, conventos, villas y palacios. La selección se orientó a obras maestras de la Antigüedad y del Renacimiento, incluyendo también oro y joyas. Italia fue literalmente despojada de sus mejores obras. Napoleón robó, solamente en pintura, 506 obras, de las que pudo recuperarse el 80% tras su caída (abdicó en 1814), pero las otras nunca retornaron.

El Estado Pontificio también cedió a la presión napoleónica. Con la ilusión de evitar la ocupación de Roma entregó a los franceses 100 obras de arte (17 pinturas y 83 esculturas, entre ellas el Laooconte, la Venus Capitolina y el Apolo Belvedere), además de 500 incunables y manuscritos de incalculable valor. El Papa permitió la razia de arte, pero no impidió que Napoleón «secuestrara» a Pío VII, un pontífice débil, y lo llevara a París para que asistiera en 1804 a su ceremonia de coronación como emperador en la catedral de Notre Dame.

La labor de Canova

Caído el emperador, diversos estados italianos lograron, en el Congreso de Viena, la restitución de sus obras maestras. Insigne fue la labor de Canova como organizador desde París del retorno de las obras, tras ser nombrado comisario pontificio por el Papa Pío VII y con ayuda incluso financiera del Rey Jorge VI de Inglaterra. En dos expediciones, con decenas de carrozas a caballo, Canova mandó buena parte de las obras expoliadas. Los viajes no estuvieron exentos de accidentes. De la carroza que lo transportaba llegó a caerse el grupo escultórico del Laocoonte. Se rompió en varios pedazos sobre el hielo del Moncenisio en los Alpes.

El retorno del botín expoliado por Napoleón fue recibido en Italia con desbordante entusiasmo, como reflejó el 4 de enero de 1816 el «Diario di Roma», el periódico político del Estado Pontificio: «Llegaron a esta capital diversas carrozas que contenían varias de las mejores obras maestras de pintura y escultura. Este acontecimiento ha suscitado el más grande entusiasmo del pueblo romano». Es una de las muchas crónicas con las que, en los diversos estados italianos, se celebró el retorno de las obras robadas por Napoleón.

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«Venus Capitolina» – ABC

Desde entonces, han pasado 200 años y en Roma vuelve la celebración con esta exposición. Muchas de esas obras maestras se presentan en las Escuderías del Quirinal. Una de las estrellas es Rafael, con su «Retrato del Papa León X», préstamo excepcional de los Uffizi de Florencia. Otras obras a destacar son: «La matanza de los inocentes», de Guido Reni (Pinacoteca de Bolonia); la inmensa «Asunción de la Virgen», de Tiziano, procedente de la catedral de Verona; el «Llanto por Cristo muerto», de Correggio y la «Deposición de la Santa Cruz», de Annibale Carraci (Galería Nacional de Parma); la «Entrega de las llaves a San Pedro», de Guercino (Pinacoteca de Cento) y «San Juan Bautista con cuatro santos de Perugino» (Galería Nacional de Umbría); la bellísima «Venus Capitolina» (Museos Capitolinos) y el «Júpiter» de Otricoli (Museos Vaticanos).

La diversa procedencia geográfica pretende mostrar no solo la cantidad y calidad de las obras diseminadas en toda Italia, sino también el efecto que produjo el retorno. Muchas de las obras recuperadas no se colocaron en su contexto original, sino que dieron vida o fueron el origen de muchos museos modernos italianos, tal y como ahora los conocemos (el caso más emblemático es la Pinacoteca di Brera de Milán o la Galería de la Academia de Venecia), todos ellos públicos, hijos de un tiempo alocado de guerras y expolios.

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Algunas de las piezas presentes en la exposición «El cuerpo del delito» – ABC

Pompeya exhibe los tesoros que fueron sustraídos ilegalmente

«El cuerpo del delito» es el significativo título de la exposición abierta en Pompeya para mostrar, por primera vez, el extraordinario tesoro que durante decenios se ha robado en Pompeya y en otros sitios arqueológicos del sur de Italia. El saqueo es impresionante. Desde 1960 hasta hoy, más de 800.000 restos arqueológicos han sido recuperados por el trabajo conjunto de los Carabineros, Guardia de Finanzas y la magistratura, una cifra muy inferior a los objetos robados. Muchos de estos acabaron alimentando prestigiosas colecciones de museos como el Getty de Los Ángeles y el Metropolitan de Nueva York, pero sobre todo en colecciones privadas de amantes del arte sin escrúpulos.

En la exposición de Pompeya hay 170 obras: cerámicas, estatuas, mosaicos, falsos arqueológicos de edad romana, etc. A su lado aparece el nombre del autor del robo. «Estos objetos simbolizan la violación a la que constantemente está expuesto el patrimonio cultural. Se trata de materiales extraídos en excavaciones clandestinas desarrolladas en el área de Pompeya y otras del sur de Italia», dice Massimo Osanna, superintendente de la antigua ciudad romana, destruida por la erupción del Vesubio en el 79 d. C.

Las obras procedentes de actividades delictivas y recuperadas por las fuerzas del orden alcanzan un «nivel impresionante», según el juez Carlo Spagna, del Tribunal de Nápoles: «Cada día el flujo de material incautado es gigantesco, el arqueológico es una parte infinitesimal. Tenemos en Nápoles un gigantesco depósito de obras de arte, cuadros, objetos religiosos… Es la cueva de Alí Babá. El problema es que deben esperar decenios hasta que la justicia concluya su camino, mientras terminan por ser olvidados en los depósitos», comenta el juez Spagna.

Entre las obras expuestas figuran algunos falsos arqueológicos, como una estatua de hermafrodita en mármol. Las primeras descripciones de los trucos que los falsificadores utilizaban para engañar a los compradores se remontan a la Antigüedad. El escritor Gayo Fedro (15 a.C-50 d.C) denunció que algunos artistas de su época obtenían ganancias más altas por sus obras si en el mármol esculpían el nombre de Praxíteles.

«El cuerpo del delito» pretende mostrar el extraordinario relieve que ha adquirido el mercado de los falsos arqueológicos y artísticos: «Después de la droga, es el segundo mercado, un auténtico negocio ilegal. Últimamente se ha calculado que dos tercios de los restos arqueológicos introducidos en el mercado por los traficantes son falsos. Falsos perfectos, o casi, realizados por artesanos y vendidos, por medio de una eficaz red de canales, a coleccionistas privados y a intermediarios extranjeros. En los talleres de falsificación se hace de todo: bronces, cerámicas, pinturas, monedas, estatuas… Para satisfacer la peticiones, se realizan falsos inéditos o reelaborados partiendo de objetos verdaderos.

Capítulo aparte merece la infinidad de objetos robados en las excavaciones y domus de Pompeya y después restituidos a la superintendencia por turistas arrepentidos o incluso asustados por creer que algunos de sus males son una «maldición» pompeyana. Hay de todo en la colección de objetos robados y devueltos a su legítimo dueño, la superintendencia de Pompeya. Hasta allí llegan paquetes con objetos robados, acompañados en general por una carta en la que se pide perdón.

 

20 diciembre 2016 at 8:31 pm Deja un comentario

’50 sombras de Pompeya’: Pinturas revelan el ‘menú sexual’ de los viejos burdeles italianos

Las ilustraciones con sexo explícito de un burdel histórico de Pompeya sobrevivieron a la famosa erupción volcánica que tuvo lugar en la ciudad romana en el año 79.

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Wikipedia.org / Miguel Hermoso Cuesta

Fuente: RT Actualidad
8 de diciembre de 2016

Las pinturas murales del Lupanar de Pompeya, un burdel histórico de la antigua ciudad romana, han revelado las prácticas y preferencias sexuales de la sociedad de la época, informa ‘Daily Mail‘. Así, el edificio está decorado con múltiples escenas de sexo explícito.

El prostíbulo fue un lugar de reunión frecuentado principalmente por hombres de negocios ricos y políticos antes de que la ciudad romana fuera reducida a cenizas por una erupción volcánica en el año 79.

Los investigadores creen que las pinturas, que representan sexo en grupo y otros actos, pueden haber indicado los servicios ofrecidos por las prostitutas del lugar. En el burdel romano, que fue descubierto originalmente en el siglo XIX, no se prostituían exclusivamente mujeres: hombres, especialmente jóvenes exesclavos, también cobraban por sus servicios.

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Wikipedia.org / Carole Raddato

“Los hombres podían acostarse con cualquiera”

“No es un lugar muy agradable para trabajar”, indica Kelly Olson, profesora en la Wester University centrada en la investigación del papel de las mujeres en la sociedad romana. “Es muy pequeño, húmedo y las habitaciones son bastante oscuras e incómodas”, añade.

Olson explica que “los hombres casados podían acostarse con cualquiera, siempre y cuando mantuvieran las manos alejadas de las esposas de otros hombres“, mientras que las mujeres casadas “no debían tener relaciones sexuales con nadie más”.

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Wikipedia.org / Carole Raddato

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9 diciembre 2016 at 12:21 am Deja un comentario

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